畫家張文宗的部落格

張文宗小品展

2011-05-31T16:29:00.000+08:00

第一章緒論

2009-07-02T23:40:00.007+08:00

第一節研究背景與動機

1962年，論者考入國立台灣藝術專科學校美術工藝科，這是台灣唯一最高工藝實作學府，有別於國立台灣師範大學工業教育系。這裡什麼都學，課程緊迫，陶瓷課是二年級的課程，任課者為王修功老師，他經歷豐富，在業界享有盛名，主持唐窯工廠。我除上課外，也常去王修功老師任職的土城清水坑唐窯工廠。這是畢生第一次結識陶瓷，對陶藝有著深深的期待。

做陶必須有陶窯，工作起來才能順遂。論者來自鄉間，隻身在台北處處貸屋為家，不可能有設窯的機會，藝專畢業後皆在廣告界任職，雖然常常思考從事陶藝工作，卻也常失之交臂；服兵役一年後，任職室內設計公司數月，才如願進入生產衛生陶瓷的電光企業，本想在其大件面盆、馬桶的空隙中夾進我的陶藝，老闆李昭亭董事長也有此想法，但所負責的工作雜亂，既要跟日本陶師學習，又是美工、廣告擔當，又是總務、員工教育主管，並且台北辦公室及樹林工廠二地奔忙，根本無暇從事陶工；迨至1969年，轉任台灣廣告任職，才與同學陳清治參加王修功老師唐窯工廠的傳統陶瓷的展覽，倆人以「雌雄」二件參加，第二日即以高價售出，不知去向，其形及說明如下：

圖一　雌與雄

上「雌」張文宗作　　下「雄」陳清治作
以往無陶藝創作，除擺設之傳統青花瓶或祭青、祭紅之釉色陶品，以做為裝飾，欣賞之用。
雌雄兩件以性象徵創作陶藝，「雌」尚可為花器之用，開口不在頂端，而在側面，整體形式如屁股，開口如女性生殖器官。「雄」則為長條型，頂著數支如陰莖造型的條狀，下盤為中空圓形。

接觸陶瓷、創作陶藝是論者的興趣，所以經常觀賞陶展，翻閱有關陶瓷方面之報章、雜誌。進入設研所不久，當設研所要研究生提報研究主題時，未加思索當定此「台灣現代陶藝造型之研究」，當然包括創作，因為2005年5月，當考進國立台灣師範大學設計研究所時，就思索研究主題。平面設計方面之教學已從事35年，從1972年起，即在實踐家專美工科執教印刷設計，接著在淡江大學、文化大學等推廣班也開課。既要進修就要挑戰自己，2005年10月，我毅然租下鶯歌舊窯廠，深入鶯歌陶瓷業，花費不貲，意圖發憤。

從以往的觀察中，論者發現前輩陶藝家都是研究釉藥，只要調配燒成某種特殊釉色，似乎就衣食無缺，享受殊榮，甚至大發利市，對造型之美感，不予重視。

深究之，也難怪他們，因為造型這門科系甚為冷門，從繪畫元素分析、美學原理、造型原理、造型實作，從平面造型到立體造型的一貫練習及對視覺傳達理論，前輩們並無此訓練，也沒有此類師資，甚至連參考書籍都沒有，實在不知如何涉獵，還有一點很重要：這種基礎造型訓練是很枯燥的，無趣的，要在弧線、曲線、點線面間、在基本形的反覆探究間尋找樂趣是很難的。

我因喜愛康丁斯基（Wassily Kandinsky）的繪畫元素分析理論（劉其偉現代繪畫基本理論 1970），對此著迷不已，對基礎美學進修不斷。我知道憑此理論可以從事繪畫，所以1997年頃就成為理性繪畫，以設計理論出發的職業畫家。

這種理論，也可發揚在立體方面，陶藝是藝術中頗為接近世俗的項目，陶瓷是工藝，是生活所需，以藝術家的身份，涉獵陶藝並以論者在造型教學所得，滋養自己的陶藝創作，應是事半功倍，也可注入台灣現代藝術發展的點滴營養。

台灣的陶藝家為生活所需，無法專心從事純藝術的陶藝表現。得獎的諸位，甚多是業餘工作，更有為得賞金而作，平時則以其他工作糊口。期盼台灣有更多真正以陶藝創作為生的藝術家，為台灣陶藝界開拓另一里程碑。

第二節　研究目的

台灣的現代陶藝發展，尚屬萌芽階段，老一輩陶藝工作者，都在「陶瓷釉」下工夫，造型這一項，可說付之闕如，各種陶藝展雖有造型創作，也大多屬於自然物或寫實摹寫，純粹型的創作極少，近幾年，年青的學者由國外學成歸國，有志者開始有造型性的陶藝個展，這是非常可喜的現象。

陶瓷的最高境界，應是陶藝創作，這是無庸置疑的，結合釉及造型達到頂峰，釉由於科技之進步，應該還有研究之空間，型則是海闊天空，無窮無盡，研究陶藝造型，可使台灣陶藝步上世界陶藝舞台，也可使台灣人民、中國人民，看到中國瓷China的新形式，啟發創作力。也可使自己的創作有了舉一反三的功能；歸納研究目的有下列數項：

1. 整理、歸納世界陶藝創作的歷史及實作。
2. 整理、歸納日本、韓國陶瓷創作的歷史及實作。
3. 整理、歸納中國陶瓷創作的歷史與實作。
4. 整理、評介台灣現代陶藝家及造型程序。
5. 研究陶藝造型創作的素材、技法及陶藝家的作品。
6. 以造型為主，創作陶藝。
7. 舉行大型陶藝個展。
8. 為台灣將來陶藝發展奠基。
9. 為世界文化史留下珍貴資料。

第三節研究方法

本論文依照研究動機、研究目的，經由相關文獻之搜集、分析、歸納及相關材料的實驗、流程控制、製作方法、創作理念的探討；並據此做為創作的依據，務使創作有所助益，使本論文及創作達到質量俱佳的期望。

1-3-1 理論部份
 陶藝的定義與造型。
 美學理論、造型原理、程序確立。
 陶藝造型創作面面觀。
 陶藝創作的技法及相關材料。
 陶藝創作的理論解說。

1-3-2 創作部份
 陶藝造型創作實驗。
 陶瓷釉的配置及混釉。
 陶窯的結構及燒窯。
 造型的技法。
 疊釉的研究及成效。
 蒐集資料及實驗成果，據此創作陶藝。

第四節研究流程

表一研究流程表

研究背景動機
↓
研究目的
↓
研究方法與流程
↓
研究範圍與限制
限定台灣現代陶藝造型
↓
文獻探討
陶藝定義
陶藝之基礎
中國的陶藝發展
台灣的陶藝的發展
歐美日的陶藝引介
其他地區陶藝面面觀
造型原理
↓
台灣現代陶藝家之背景及作品
↓
創作素材
↓
創作工具
↓
窯的結構
↓
創作前之實驗及分析
平面造型實驗
表面肌理之實驗
半立體造型
生活陶之造型
分類造型面相
合成素材之造型
↓
創作作品及衍生
↓
結論及展望

第五節　研究範圍與限制

本論文主要以創作為依歸，創作屬於哲學之層次，是要經過多方探究後的歸納所得，屢經正反合的辨證，擷取各家所長，研究世界陶藝發展趨勢，以理論架構創作學理，以分析、理性、組織，創作風格形式，再以感性、無垠的異想天開，創作全新的造型風尚。

上帝創作萬物（聖經），這個說法信徒必須確信，非信徒則存疑，但人類創作了型態，是不爭的事實，只有「人」有靈性，足夠創作出幾何形，即使上帝也無法造出非自然型，所以「形」或「型」的創造是靈性的象徵，是文明的鐵證。

本論文顧名思義限制在造型之研究，也只限於「台灣」、「現代」、「陶藝」之範疇內。

台灣現代陶藝之發展，因時間甚短，也稱為台灣當代陶藝之發展，目前許多陶藝家創作生活陶，例如茶壺、茶壺組套、馬克杯、碗盤……等生活用品，也有創作工藝陶品，譬如：精油燈、公仔陶、置物陶、花器、陶罐、紀念品、生肖陶件，這些屬於傳統、實用的陶藝創作，並非本論文研究之範圍，唯花器一項具有濃厚旳藝術性及純美性及造型性，將有專章探討，論者也有創作展出。

台灣現代陶藝造型之研究－自序及謝誌

2009-07-02T23:37:00.002+08:00

幾年前，蘇茂生教授就慫恿我到師大設研所深造，理由是設計研究所若能容納台灣各頂尖設計工作者，才能奠基設計界龍頭的地位；在學術上、實務上帶動設計事業，也由於這個理念，師大設研所之課程及收錄的研究生有了特別之偏向，我服膺這個理念，贊同這種作法。

向來我在藝文界打拼，也提倡藝術下鄉，溶入民間，學術與業者攜手並進，相互砌磋、教學相長，仍為設計界之福。

憶起1964年，我就讀國立台灣藝術專科學校美術工藝科（現已改制為國立台灣藝術大學工藝設計學系與視覺傳達設計學系），因緣際會創辦「設計人」雜誌，擔任主編（目前由學弟妹繼續每年一期出刊中），那時就深深為設計這門學科所吸引，畢業後陸續在企業、廣告公司擔任 (A.D.) 藝術指導及設計工作，從未間斷。1972年並遠赴日本國東京都伊東設計研究所，師承伊東壽太郎教授（多摩美大副教授‧曾任日本Sign & Design協會理事長），學習插畫（壓克力顏料）及平面設計，並進入日本國公立NHK電視台美術部見習，研修FRP道具製作。

從1972年起，受顏水龍主任教授之邀，即在實踐家專美術工藝科任教印刷設計課程，後來也受邀在文化大學、淡江大學推廣班講座、社區大學講師至2005年，2006年以後專心於美術理論及油畫、陶藝創作。

1985年，從美國加州長堤大學研究所返國，也到復興商工擔任畢業班的印刷設計課程，翌年受聘國立台灣藝專美術工藝科基本設計講師，長達21年。1989年起承蒙香港美術專科學校陳海鷹校長之邀，受聘設計科客座教授，2005年底我受聘上海大學數碼藝術學院文化經濟系客座教授，前後所授課程皆為廣告、企劃、基礎美學、造型、視覺傳達類之課程。

全國美展、全省美展、各縣市美展，數度擔任設計類及美術類評審，並在獲選中華民國美術設計協會理事長時，舉辦大型全國設計競賽，日本名家設計展、設計暨印刷大展、全國包裝設計競賽等，在在顯示我對設計事務的熱心及興趣，使我與設計結下不解之緣份。

1996年，我將設計理念帶入美術創作，以基礎美學（設計原理）、視覺傳達理論、繪畫元素分析等基本設計之學科，應用到純美術的抽象油畫創作，標榜理性、學術作畫，獨樹一幟，並展開藝術家生活，在彰化四面佛寺設立「張文宗美術館」，在鶯歌創辦「張文宗陶藝研發室」，在九份投資「畫家客廳」；油畫、水墨、造型等個展33次，在日本聯展16次，在韓展出3次，加上在台灣參加各種聯展，也超出60次以上。

我從設計出發、學習、成長，在社會學家馬斯洛的人生五大欲求中，逐步邁向「無欲」的階段，在設計的領域中則以實際、教育、研發、理念，落實於生活中，影響後進。值此國立台灣師範大學藝術學院設計研究所創作班的研究生生涯告一段落的前夕，思想在設計界的45年歲月，臨老還有專業教授的論文寫作指導，以及從事專業有成的同窗，給予「張大哥」的溫馨對待，心存感念。

本論文是由梁桂嘉教授擔任指導教授，感佩他治學嚴謹，多次指正，使論文更臻完備，並期許我加以擴充補撰，也感謝「日本傳統陶藝」作者陳水源博士指正、鼓勵，將本文補撰，成為專著，正式出版於坊間，造福陶藝界。

為了本次學業，我到鶯歌租用窯廠，請教老陶工、鍊土、拉坯、製坯、噴釉、配釉、翻模、訂購陶具、設窯、燒窯，成立個人工作室、參訪各陶廠實習中心、老街展場、親睹陶器行銷，面謁陶工廠老闆，數度參訪鶯歌陶瓷博物館，購置陶藝專著、雜誌及聽講；也自辦小型展出，聽取各方批評指教，結識喜愛陶藝之人士，在最短時間內，努力衝刺，戳力以赴，也因此生計無著，幸蒙母親，弟妹資助，勉強渡過，預計於今年（2007）底舉辦一次大型陶藝創作展，將論文所列分項，再行擴充，俾能顧及質量，展現這二年多來的成果。

我的人生觀是正面、積極、樂觀、奮鬥、愛台灣、愛文化、愛藝術、愛人；我不會停住腳步；陶藝是藝術工作中的一項創作，自許為藝術家，全身充滿著藝術細胞，當然不只限於陶瓷的素材，我將多方探討陶藝的未來，也會參與各種藝術品的研發及創作。

感謝協助這本論文著述及創作過程的每一位人士，更感謝母親年邁的叮嚀及愛心，我把小愛化為大愛，自忖要對台灣文化做出貢獻，今年起，更將散發光與熱，與藝文界共享。

張文宗謹誌於
國立台灣師範大學設計研究所
2007年5月13日母親節

陶藝作品

2009-01-07T22:54:00.003+08:00

創作理念／張文宗手稿

2009-01-07T22:46:00.003+08:00

畫家不退休

2008-12-26T22:12:00.003+08:00

張文宗教授66歲舉行第40次畫展

有了敬老卡及敬老金，張文宗更奮發圖強，2009年元月10日到21日在千活藝術中心舉辦第40次的油畫個展，充滿青春活力。

12月底至元月8日，張文宗開放他在鶯歌的工作室，展示其陶瓷作品（包括：陶藝、陶品畫、陶版畫）、油畫（抽象、具象）、現代水墨抽象、速寫，並可觀賞其收藏的畫作數百幅。

張文宗曾執教國立台灣藝術大學二十年，從1972年起即在實踐大學美工科任教，長期觀察台灣美術發展，在教學相長的過程中，不斷的實驗、創作、從符咒畫、立體造型個展、油畫個展到現代抽象水墨創作，陶品畫、陶藝，一路努力不懈，有藝壇拼命三郎之稱。

他不為收藏家而畫，不為風格而畫，也不為某種素材而畫，興之所至就隨興創作，有機會就看別人的畫展，收藏別人的畫，買書、看書、寫藝評、搞學術，累積了豐富的創作技巧與吸取別人的作畫經驗，更花費龐大的經費研究陶瓷釉藥，豐富色彩、感覺及造型，他認為各種修習經驗都有助於藝術的創造，豐富人生的閱歷，有助於畫作的內涵。

2009年是他最重要的一年，元月下旬，他在台北展後就要去上海成立工作室，方便其在上海大學的客座教授工作，並於四月底在北京吳東魁美術館展出一個月，2009年六月再回台灣，9月20日至10月20日在新竹縣竹東鎮名冠畫廊展出新作，期望對台灣畫壇有些新的啟示。

藝術人生是漂泊的、孤寂的，畫家應該昇華孤寂、結晶孤寂為作品，藝術家超脫現實不守規範，卻為人類提供了未來50年或200年的可能空間，啟迪新知。雖然生活艱困，但只要有理想、有堅持，就會得到肯定；歷史記載的偉大畫家，常常是潦倒的一生，但給後世多了一份文化的遺產。

我們應該支持藝術活動，目前台灣社會熱心捐贈於宗教，是否也能重視將藝術融入生活；人類精神文明有宗教與藝術二大支柱，在台灣贊助藝術的注入太少，社會產生不平衡。年青人無法認知宗教，卻可接受藝術，企業家及一般大眾應該也贊助畫家、購置畫作，加強藝術教育及修習。

宗教是無形的；藝術是有形的，有實體、有實物，立即可感受的。例如一幅油畫原作懸掛於家中，每日散發的氛圍，默默的影響家人的內涵，那是金錢買不到的。

張文宗20多年來提倡「藝術下鄉」，希望一般的人都能享有油畫原作，雖然市面上油畫定價都很高，但他這次願意以3、4折鼓勵民眾收藏，在此經濟不景氣時代率先降價，讓大家還可接觸油畫，欣賞及擁有台灣本土名家的畫作。

張文宗工作室開放：即日起至元月8日止
鶯歌鎮文化路91-93號 (有停車場)
電話：(02) 8677-6021‧0920-419753

千活藝術中心畫展
2009年元月10日～21日 (展期無休，現場示範)
台北市民生東路二段24號1、2樓

張文宗油畫創作展

2008-10-02T23:35:00.003+08:00

展期：2008年10月2日～10月30日
茶會：2008年10月4日(周六)下午3時
展場：慈濟松山連絡處藝文中心（台北市南京東路五段188號16樓）

張文宗教授抽象油畫展

2008-09-06T19:44:00.007+08:00

2008/9/12~9/28
凡亞藝術空間：台中市西屯區河南路二段301巷16號B1
酒會：2008/9/13(六)下午3時

設計

2008-07-01T23:03:00.002+08:00

一、何謂基礎設計

基礎設計是學習設計要素、設計原理、設計程序、發想、空間概論、視覺傳達等等相關設計的基礎學科，從抽象到具象，從平面到立體，從簡單到複雜，從基礎造型到實體製作。所以凡有關藝術、繪畫類科相關的學術都包含其中，甚至觸及社會各層面的知識都應涉獵（如心理學、科學、醫學、社會學）。狹意的說，基礎設計是應用美術的基礎學科，舉凡廣告、工藝、造形、建築、舞台……等應用美術應學習的基礎學術（理論及技術）都應包括其中。

二、設計的定義

應用美術的技巧，在經濟（最省錢、省力、省時）的原則下，達到營銷（商品、勞務、觀念）的目的。

三、設計的基本精神

以最簡單的方法，得到最複雜的效果。

四、設計的進階

1. 美工（從事美術工作，如完稿、基礎美工）。
2. 設計（泛指圖面安排，包括插畫）。
3. 企劃（系列性的設計及設計企劃）。
4. CI（設計及經營的統合構思）。

五、設計程序

設計程序必須依據下列程序，才可使設計快速而完整。
1. 假設動機，創造需要，接受委託。
2. 快速發想，形成草圖，越多越好。
3. 組配發想，歸納草圖，去蕪存精。
4. 二次草圖，形色俱備，再次比較。
5. 比較條件，考慮材料，克服技術。
6. 經濟考量。
7. 實體製作，美與機能。
8. 營銷回饋。
9. 售後服務。
10. 回歸設計本位。

繪畫要素

2008-07-01T22:59:00.003+08:00

繪畫要素也稱設計元素、造型元素，即是在繪畫、造型、設計等美術類科中，分析其基本構成元素，如人體中的鉀、鈣、鎂、鈉、磷……，物質中的電子、中子、核子、質子等微小組成分子，由於是從基本的元素認知，再架構新的畫面或造型，這種方法最具基礎性、創造性、學術性，並且根基穩固，應用無窮。

依據日本設計教育家大智浩教授的『設計基礎』一書，歸納設計要素為：1.點。2.線。3.方向。4.形。5.明暗。6.大小。7.肌理。這種理論的發現是在1924年左右，構成主義大師康定斯基在德國威瑪市的巴浩斯學院即予提倡，將繪畫元素分析為點、線、面、色彩，再構成新畫面，創造了新的繪畫形式──構成派。

有關前四項──點、線、方向、形，在『形的探究』篇章中，將有詳細的解析及構成訓練。色彩另有『色彩學』課程專章討論，在基本設計課皆予略去，最多只談色彩感情。其他要素在本節介紹如下。

明　暗

首先提列與明暗比較相關的辭句，使讀者快速領會。

陰影、黑白、濃淡、階調、灰色調、中間調、高低調、光的漸移、層次、層漸、明度、立體感、空間感。

以上都是代表光的強弱或移動，在繪畫上以黑白的明度表分成9階，最暗為1，最明為9，1～3為低調子，7～9為高調子，相差5階以上為長調，3階以內為短調。短調比較柔和靜謐，反之長調則對比濃烈，反差明確。

明調積極、刺激、活潑，中間調柔和，暗調憂鬱、苦悶，但是把明度表的順序更換，甚至對其寬度、面積做更大調整，則對比性加強。

明暗在繪畫的美感上，占有極重大的因素，是繪畫主要功能之一，是在平面的二度空間追求三度的虛擬立體感，強烈的明暗對照，使物體立體化，使遠近透視化，空間的層次加多了。

繪畫的中間調，內蓄的美感叫人著迷，多層的階調百看不厭，豊富的色彩變化，更蘊含潛在的作者能量，不可言喻。

明暗的構成練習，朝向對比、調和、韻律之試作，以相同的面塊，不同的明度，或以不同的色階、長短、寬窄、面積，配置不同位置、方向（垂直、水平）產生分割畫面。

大　小

線條、形狀、色塊、物件、聲響、動作皆有大有小，距離長度、間隔遠近、圖地面積、容器容量，也都有大小之別。在藝術表現上，大小具有重要的影響，不可忽略。

欲表現偉大、壯闊、主題、崇高、令人感動、重視、壓迫時，經常以「大」之要素而達成。反之，要表現嬌美、可愛、細緻、高貴時，則賴「小」的要素。圖面上的大小關係，也常是主副之別。

大小的要素與比率有密切的關係，如果善用位置、距離的對比，則在視覺上有優異的表現。

左上圖黑方塊從左起有1、2、3、4四塊面積，1為2的4分之1，2為3的4分之1，4是3的4倍，已有一定比率，依序排列。

雖然有大小之差別，然而視覺扺抗很小，再觀察其距離，a即2之邊長，b為3之邊長，c為4之邊長，亦即a：b：c為1：2：4，相互間皆為正比關係，面積及間距也以等差級數排列，達到調和的對比。

再看四個方塊的位置，其連線都在同一中線上，視覺方向平順，其間距都是左加右除以二的邊長，處處都內含方向性、規則性、秩序性、比率性。

右上圖大方塊中的右斜對角線上，排列四個黑方塊，大方塊的中分線切割成三個方塊，其比例為等比級數2：4：16：32之比，斜黑方塊的中點即在中分線上，也就是對角線的交义點上，所以黑方塊的面積比，也是等比級數，其間隔也是等比級數，各間隔的寬度也可由根號算出。以上都是比率的解說，可見大小的對照，在比率、位置、方向的數理性、秩序性的重要。

肌　理 texture

肌理或稱物肌，指物體的表面紋理。觸覺可以感覺材料的特徵，而肌理並不用透過觸覺，是指只要依賴視覺就可感受到重量、溫度、柔硬、粗細、紋理、乾濕、材質等物體表面性質。

設有一圓型，你可視為圈圈、月圓、球體、鍋蓋……，但若表面賦予肌理，即可知道這個球體是木球、皮球、鐡球、銅球、石膏球、塑膠球、紙球、毛線球、布球……，不必用手去摸它，只憑視覺觀察即可知道。如果是真實的物件，當然更容易看出，甚至盲人也可摸得出來。

在繪畫上，肌理即筆觸、畫肌；色彩的濃淡，色塊的凹凸，色相的冷暖，筆觸的粗細、橫豎，筆調的細滑、粗糙，顏料的成份、品質，用筆的力道、柔硬，線條的長短、陰陽頓挫，畫刀、畫筆的形狀、寬窄，畫面心靈感受，整體風格、派別都可由表面肌理窺究，可見肌理在繪畫的重大地位。當然在雕塑、設計的影響亦然。

肌理在織物的表現最直接，毛、絨、緞、布、粗細、柔滑，一見即知。在繪畫上要表現牛仔布的粗硬厚重感較為容易，而半透明絲巾則難畫出其柔滑透明的感覺，這和油畫本身材料、工具有密切關連之故，大抵都會比絹絲顯得更厚硬一些。

肌理可由Frottage的方法，複寫出其模樣，其技法是在物體表面，覆上薄紙磨擦之，或稱Rubbing。也可透過重組改變肌理，試以紙的肌理改變，舉例如下：

1. 刮傷：以刀、釘在紙的表面刮之，產生凹凸表面，改變紙的肌理。
2.扯捲：扯揉後，捲成條狀。
3. 塗抹：在紙上塗上一層膠或臘、顏料，掩蓋紙的表面，則失掉紙的肌理，變為塗掩物的肌理。
4.切剪：將紙切成長條或切剪至細小紙片，則紙的原來肌理感覺已失去。
5. 燒烤：紙經過燒烤，改變了紙的肌理，甚至燒成灰燼，面目全非。
6.紙漿：紙經過水浸後，變成紙漿，已非紙的形狀。
7. 塑型：紙漿灌模成型，紙的原狀肌理消失。
8.挖洞：挖洞、打洞，破壞原有肌理，改變其形狀。
9.貼合：屢加貼合成塊，已非紙形。
10.撕曲：將厚紙撕去上層紙膜使其捲曲，或薄紙撕成紙串。
11. 造型：紙經過造型後，失去紙的原有肌理。除上述紙漿塑型外，弄褶後捲成細條，纒繞在瓶罐上，改變瓶罐及紙的肌理。

以上之舉例，讀者可舉一反三，自己試作各種物件之肌理改變。

美學原理

2008-07-01T22:41:00.004+08:00

美學原理是藝術概論的主題，在設計領域稱設計原理，凡有關美術的類科當然都可以應用到，如素描、水彩、油畫、現代水墨畫、傳統水墨畫、雕塑、工業設計〈立體〉、商業設計〈平面〉、綜合媒材、裝置藝術、古典美術、現代繪畫；在八大藝術：文學〈詩歌〉、音樂、建築、繪畫〈美術〉、雕塑、舞蹈、戲劇、電影等等無不以此為依歸。再者，工藝或稱九大藝術或含於繪畫〈美術〉之中，也都是以美學原理架構美的效果。

美的事物繁多，諸如：山川秀麗、怪石嶙峋、泊泉潺潺、春回大地、麥浪淘淘；或如：稚女稚氣、成熟女體、男才女貌、勻稱體魄、智者豐采、銀髪濃鬢；又如：捧腹相聲、悲劇盈淚、巍峨雕塑、斑剝壁畫、桌椅裝璜、衣著飾品、言談舉止……，無一不是美的形式表現，所以美蘊含在豐厚的自然界與社會內容中，它是極度耐人尋味的。美是內容與形式互補的獨特統一體。

人有知覺去體會美的存在，但對美的形式與內容卻有不同的認知，中西學者對美的形式與內容的相互關係也有不同的體認，不過一般歸納美的形式著重在美的具體外形，重視其組合規律。恩格斯指「自然界中的普遍性的形式就是規律」〈見其『自然的辨證法』著作〉，規律是構成形式美的審美特徵。

人類的耳、眼是主要的審美感官，音振在頻率16－20000赫茲的聲波，波長在390－770毫微米間的電磁波，我們皆可感知，色及物即是由光的反射和透射不同光的作用，其他尚有溫度、味覺、觸覺都有輔助審美的作用，只是微乎其微不具獨立審美的意義。

有關形式美的理論，學者眾說紛云。有人認為不應該有這種原理的存在，因為各人所持的美感經驗不同，各民族、地域、時代都有其特殊審美認知，同樣一件事物也因當時心理的因素反應不同，很難規範共同的美感秩序。相對的，也有更多的學者認為美的形式原理與宇宙萬物的存在與生存、環境原理是並存的、共通的，一切美感現象即是這種存在的再現，可以規範其象徵原理、秩序法則。

人類的靈性足以整合自然現象及人為準則，使人的行為及觀點取得最大的公約數。自古以來，洪荒時代的原始人類，即有藝術活動，如繪畫、雕刻、建築、舞蹈、歌頌、扮演、工藝，經過漫長的溝通、演化、修改、判斷，研發出某些準則，做為儀式的模式，世紀以來人類的智慧又將此象徵原理，做為創造、鑒賞、收藏的依據。

遠在2500年前的希臘時代，人類對美感經驗就已歸納某些秩序，人體美的比率、帕得能神廟的黃金比定律，皆留下證據。希臘哲學家亞里斯多德Aristotelles 也提出理論架構，我們無法說每個時代、地域、民族、個人都有同樣的美感體驗，但是歸納出人類共同美感做為人類創造、鑒賞、存藏、生活的依據，卻有其意義與必要，古往今來不論中西，仍舊有它存在且值得深入研究的價值。

人類觀察自然形態的啟示，加以記錄、模仿、簡化、變形、應用，而完成許多造形、文字、圖畫，歷經歷代先哲的規範，輔以心理學、社會學、哲學各領域，形成美學原理。

美學原理也稱美的形式原理、構成原理（Principle of constuction）、設計原理、造型原理。應用在構圖上就叫構圖原理，是討論一切事物型態和結構的美感原理，舉凡藝術類科都必須涉獵的原理、原則。茲將其列表如下：

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　反覆
類似
調和－－→ 破調
對比
強調

反覆
層漸
律動－－→ 漸變
韻律
連續
美學原理
對稱
均衡－－→ 平衡
安定
比率

單純
統一－－→ 放射
變化
主副

依照上表歸納為四大類，再細分十八項，其中有重覆或相近者，皆可相互應用。譬如反覆在調和、律動、統一、均衡等要素中都是存在的，是以只整理美學原理十一項如下：

一、調和　Harmony

在字面上調和即調而和之，調酒是有些液體混合，調停是有些人的意見溝通，如果已經「合」了，就不需花費精神時間去「調」了。調和用辭來自音樂的調音，調和當做名詞，是表面狀況；在美學上調和是手段、技巧，當做動詞使用是比較符合理論實務，乃利用「調和」的理論，在畫面上施予某些作為，使畫面達到美的境界。調和僅次於統一，是美學原理重要原則。統一不一定調和，但調和一定是統一的。

調和不是相似或反覆，調和是近似，其反面是破調，是兩種極端並置，是兩種極不相同的兩種形，置放在一起，破調看起來很不對稱，很不舒服（如下圖）。

日本是重視「和」的民族，舉例來說，色彩加黑、加白，使其彩度、明度降低，色彩就調和了，配色也應用此理，以同一色相調配成各種相近的色調，柔和、平順。茶道、書道把動作分解成很多程序，就比較溫和、有禮。

調和的技巧舉例如下：
1.分解：把「形」的轉移程序多次分解，則兩端的異形會消除抵觸。相鄰的形都近似，達到調和之境。
2.分離：兩種相異的形分開放置，則其相互的影響與距離成正比。距離越遠，則影響越小。
3.隔開：兩個相異之形，中間隔置一面積，此面積越大時，兩端的相異性會更小。
4.覆蓋：兩形同時以半透明的玻璃覆蓋之，則形感減低，相互抵觸也降低。
5.調整：兩相異之形加以調整，相互的異形趨於縮小，則兩形必定較為調和。
6.加置：兩異形之週邊加置各種形，則其主調之地位漸次減低，則其相異性因旁置之形之多寡，而趨於副調之地位。
7.縮小：兩形面積縮小時，或有更大的兩形相較時，則其異形之顯性會模糊。
8.互加：兩形各加相似的異形，或兩形相互對調互加於對方，則兩端之異形成同形。

二、反覆　Repetition

反覆是同型並置，其重疊或間隔距離是等距的，這種圖形規則而單調，但也具有美感，即單純之美。

大樓同型玻璃，大面積排列頗為壯觀；整排佛像於寺內或道旁矗立，感受莊嚴，肅然起敬；閱兵隊伍，班兵整齊排列，軍容肅穆；音樂也常間隔反覆某些音符，親切溫柔；所以反覆在美學之應用，功能頗為廣大。

視覺與聽覺對於美感的差異，主要來自於間隔剌激。視覺是在同一平面上的距離產生剌激，而音樂則是在時間之間隔、延續之間產生剌激，音樂的間隔是節拍，而視覺藝術的間隔為空間、形、色及明暗。音樂節拍使人產生快感，而空間單位的間隔扮演「視覺美」的重要任務。

三、破調

兩形相較無相似之處，則視覺抵觸強烈；兩音比鄰音階高低差太大，則聽覺無法承受；兩種色塊、造型、行為、高低差距甚大，則人的心理、視覺、生理不能負荷，這是破調的結果。

破調是特異的，在藝術的應用上也有成功的例子，唯因破調的衝擊太大，一般是極少用之。

特異在戲劇、電影上有特殊的需要，在濃縮的劇情中為達到驚悚的效果，常在音響、燈光、佈景、色彩、文字、造型，甚至行為上採取特異的表現，達到高潮之效應。現代音樂、美術、建築、雕刻、文學中也常以特異的行為，探討人類的變態及心理極端之反應。

破調是一劑猛藥，不值得提倡，卻是必然的存在，也有必然的效應，宜慎用之。

反覆與調和、破調之關係，等於三種要素結合之不同。
1.同質或同形相互反覆。
2.類似之形聚合產生調和。
3.異質、異形並置，謂之破調。

反覆、調和、破調在美術、設計、建築、雕刻或其他藝術類科都有應用之價值及必要，不是只有調和即是好的，反覆的單調之美，或破調之不可思議的異感，反而會激起一股莫名的魅力，只是在應用技法與時、點，必須多加注意，不然破調常陷於紛雜、錯亂之中。

四、對比　 Contrast

對比與調和是相對照的，但不是破調，在色環上，180∘的兩端是補色，若在120∘左右稱為對比色，是以把對比原則置放在調和原理中，以為相互比較。

對比有活潑、突出，相得益彰的視覺感受，比起調和有更大的、更強的間隔佈置，明暗、黑白、大小、軟硬、粗細、高矮、遠近、快慢、曲直、左右、前後、寒暖、糙滑等對比關係，增強了美感要求。

燭光是定量的，但在太陽底下與在黑暗之中，其亮光感就有明顯的差別，這是對比的結果。速度、體積、色彩都是環境相互對照的感覺。

對比有三種主要形態：1.明暗對比。2.色彩對比。3.大小對比，其他面積、質地、方向、高低……，都歸入大小對比。

圖畫的要件之形、色，對比的美感是絕對必要的，其成功的技巧在面積比。譬如紅綠對比，俗云「紅配綠狗臭屁」，單調而乏味；若其面積比改變，則「紅花綠葉扶」，相得益彰。

五、律動　Rhythym

律動是類似形的排列，在反覆一項中即可感覺律動，唯其單調乏味，所以應加些變化，如形的類似與間隔的調配。

律動是共同元素連續重現的抑揚調子，如音符在五線譜上的高低緊密音調，產生優美的節奏。

線條是最具律動的造型元素，其曲直強弱，抑揚頓挫，具有十足的律動感。

律動與調和密不可分，分項中都有反覆、層漸、漸變、類似、連續的要素，也都具有數理性的比率因素與平衡原則，與均衡大項互通聲息，達到變化、主副統一的美境，所以美學原理雖分若干大項分項，其實是有其共通性的。

人類天生有律動感，行走、跑步、歌唱、舞蹈，各種動作都隱含律動的節奏，這對於原始人類的造形、藝術活動俾益良多。

有人說建築是涷結的音樂，建築外型常常顯出音樂的節奏於反覆、層漸的高低起伏之中，柱子、門、窗，櫛比的高低建築，寬窄的長度與面積都充滿規律的韻律，建築是必須非常數理化，所以其律動感是穩重的。

繪畫的律動感表現於肌理、筆觸與色塊的分配，由於視覺導引及線條的方向，使畫面產生旋動，增加畫面的動態。

繪畫的表面肌理是有方向的，筆觸及線條更明顯，色塊的對應關係，造型、形態都有方向的導引作用，使畫面如琴鍵般的跳躍，如竹絲般優雅，一幅圖畫就如一篇樂章。

六、層漸 Gradation

層漸是相同或近似的形，依序改變．

這些都是層漸的寫照，在美術、設計、建築的應用，由大而小，由濃而淡，由明而暗，由強而弱的層漸形式，可以產生較強的張力、透視力、注意力，或輕快感，在戲劇、舞蹈、文學之應用，也有步步緊逼，逐漸鬆馳，漸入佳境，步向巔峰的效果。

社會現象之流行與社會制度、政治也都朝向層漸之趨勢。若突變則謂之革命，要付出龐大的社會成本，人民生命動盪不安；若徐徐漸進謂之改革，雖有怨言，仍不失民主之道。

七、對稱　 Symmetry

在中線兩邊同型並置謂之對稱，最典型的例子是塗上色彩的紙張對折、互壓後張開，則兩邊出現同大、同色、同型的色塊，此法稱 deca comania。自然界中對稱的例子比比皆是，蝴蝶、昆蟲、動物、植物，舉凡飛禽走獸、魚貝蟹蝦，大扺依對稱原則結構軀體，甚至人類的眼、耳、手、足、乳房、陰囊、內臟、腦漿，整體骨架都是對稱排列的。

動植物為了將養分均勻分佈全身，採取對稱方式是最好的輸送方法，試看植物的葉　脈、草藤根鬚也都對稱的原則，動物血脈亦然。還有雪花、梅花、菊花則呈現放射形的對稱形式。

對稱之應用早在古代的神廟、宮殿建築表露出典型的模式，形成平和、安穩、莊重、嚴肅、正統、中道的象徵，古代容器、飾物、工藝品中也經常應用對稱的原理，甚至神龕、傢俱之製造及擺設，也採此基本美學形式。

八、平衡 Balance

人類與生俱來有保持平衡的作用，如腦下垂體保持左右及運動的平衡，視網膜保持色彩的補色平衡，心理上也有善惡的矛盾對照。

平衡原指物理上的兩邊「量」對等關係，或兩個力的均等狀態。但在美學上卻是泛指視覺性的均衡關係，包括量、形、質、方向、大小、明暗、色、繪畫元素等等，而且強調是不對等的平衡。

平衡方式有二種：一是對稱平衡（Formal Balance），或稱天秤式平衡，支點在中央。二是視覺平衡，也稱不對稱平衡（Informal Balance）、秤式平衡，兩邊的重量不一，依靠支點的偏移而得平衡。

視覺平衡也不重視橫線的水平，如秤的橫桿常稍有上下，卻不使秤錘墜落；又如翹翹板，兩邊雖有上下移動，卻能保持平衡狀態。不對等平衡還包含異質平衡，如鐵球與棉花的重量平衡，如蔬菜與台燈的構圖平衡。

對稱是美的形式原理，對稱平衡也是美學原則，希臘巴天農神廟的對稱平衡建築沿襲至今，二二八公園的台灣博物館，日本上野公園內的歷史博物館，還有許許多多宏偉建築都採對稱平衡形式。

不對等平衡可用很多種圖形來顯示，繪畫上的應用更是層出不窮，不勝枚舉。現以茶壺為例說明之。茶壺之兩側，一為提柄，正對的另邊為壺口，兩邊是不對等的，形狀是不同的，功能互異的，但長久以來，我們習慣地如此應用它，覺得它非常平衡，優雅、端正，用這種思考模式即可創造良好的平衡關係，富有無限的變化，並具現代感、力動感。

九、比率　Proportion

希臘時代的黃金比可能源自於人身的比率，頭為人身的八分之一，八等身比最為優美。據說中國的古尺是以人的手肘為一尺，英國以一步為一呎，總之以人體的手足為度量單位是有可靠的依據。法國建築家柯比瑞（Cle Corbusier）曾以人體的比率創造Modulor尺，不論建築、傢俱、都市計劃都依此比率製作，其計算方式為設定西洋人的標準身高為183cm，肚臍高為113cm，肚臍以上為70cm，其比為近似黃金比（Golden Mean），即1：1618。又如舉高為226cm，放下為86cm，差為140cm，也是近似黃金比，這種比值也合乎東方人的比值的。

黃金比為a＋b：a＝a：b，比值1：1618，其算法可由幾何形求出，而費勃那齊級數（Fibonacci Series）以更簡便的方法得證黃金比，即前二項的和等於第三數，其數列為1、2、3、5、8、13、24、37、61，數字越大則比值更接近1：1618的黃金比。

黃金比源自於希臘數學家畢達哥拉斯（Pythagoras 582－500B.C）的主張，由德國美學家腓希納（Gustav Theodore Fechner 1801－1887A.D）實驗證明，黃金比最符視覺心理，已被人類廣泛應用，如紙張、書本、包裝盒、屋內空間、電視、器物等，都採黃金比。

黃金比雖是最美的比率，但是全部器物、建築都採黃金比，那麼世界多麼無趣，適度的安排創新的比率關係是美術、設計、建築界的新挑戰。

有關黃金比及費勃那齊級數之幾何求記法，在「形的探究」一文中，「分割」一章有詳細的製圖法，在此略去。

比率是指形體中部份與部份的比數關係，自然界中隱藏著比率關係，有些必須依靠高等數學才能證得。大智浩的『基礎設計』一書中，提出水母、海膽、海星、貝殼等成長，及花果之漸增、漸減實例，都有明顯的比率數值，甚至礦物的結晶體也存在對稱，以及數比率的現象，尤其現代科技之發現，分子的結構、染色體的排列，都有比率數值的既定模式。

十、主副

主副為主題及副題，主題必須加以強調。

構成畫面的形、色、因子頗為複雜，音樂、戲劇、電影也都有主調、主角之別，在眾多形、色、音符、人物之中，欲要突顯主題，吸引注意，強調效果，那是必要的。

強調主題常常依賴副題的襯托，譬如焦點常以線條方向之導引而達成。現試舉例之：

1.放大：埃及古墓中之國王常以放大，刻意誇大其在群體中的比率，以突顯其地位。
2.圍繞：群體圍繞的中心，顯示主題。
3.裝飾：馬雅文化中的領袖都有特別多而華麗的頭飾，甚至比頭數倍高，衣飾也兼之。俘虜、奴隸則只有丁字褲，衛士則有簡單的頭飾。
4.空間：空間優越者為主題，擁擠者為副題。
5.導引：以旋律、線條、肌理或色塊導引視覺至某一形、色、物上，則為主題。
6.焦點：透視的聚焦點或視覺中心點，或兩線交叉點、中點上的人、物，都較有主題優勢。
7.旁證：以各種旗幟、人物、簇擁、物象、副屬之眾，象徵主題之存在。
8.構圖：以構圖方式突顯主題。
9.強調：強烈的形式，清新、果決的感受，明顯賓主關係。
10.加深：加重、明暗對比加強、彩度對比加重、主題明顯，也可強調主題。
11.動態：動態的營造可使視覺磁場強而有力，成為主題中心。
12.明示：主題明顯，副體模糊不清。

主題並非單純的個體，可能是多重主題的呈現，副題亦有可能排列為第一、第二等順序，所以也可以以群化的方式，區別主題群的存在。

十一、統一

美學的最終要求是統一。統一的先決條件是圖面或物件中存有不統一的因素，如果圖面事先已經四平八穩了，就不用再去試求統一了。

所以美學所探討的統一是使不統一的因子，透過美學理論使其統一，是調整的，是有變化的，是有理論的。

統一包含美學所有的原則，其中調和最接近統一，調和也是具有不調和的因，才必要使其調和。均衡也是，不對稱的、比率對比、強調、韻律、反覆，都需要歸結於統一。

統一是具有某些零亂的，只是比率與位置有特別的或意外的安置，或與比率相差不多，是視覺可容忍的。

對於統一的要求，受過訓練者對零亂的容忍度較高，也比較理智、理論化對待對象。

總之，統一是將存在的矛盾因素調和成多樣的統一（unitry of multiplicty），世界的美學、心理學、哲學界大師都曾對美提出精闢的看法，也對美的形式原理（Principles of form）深加探討，其結論大扺歸於多樣的統一。康德（I. Kant）即是這種觀念的詮譯者，他認為外來的雜亂內容，要透過人類的感覺，統一於直覺的形式。十九世紀的美學家費希諾（GT. Fechner）、心理學家李普斯（T. Lipps）也提出同樣的主張，設若全部是同質的組成，比不上渗入異質的快感。

半立體之形成

2008-07-01T22:35:00.004+08:00

一、分類
浮彫（Relief）──高浮彫、低浮彫
陰彫
虛擬：光影、立體抽象化、電腦、透視
（立體派、未來派、構成派、造形主義、普普、歐普。）

二、半立體之應用
1.空曂野外：高浮彫（光線變化不定、光線強）
2.室內：低浮彫、柔美、層漸、空間利用（光源固定、光量低）
3.暗示相當程度的演變效果。
4.利用光線、陰影
5.圖形與背景關係之造形變化

三、半立體之形成
1.Embossing 法：紙面下方放置凹凸花紋，由上拍打加壓，紙面即形成半立體。
2.印刷法：紙面或平板上加印厚重色料或刷、塗、噴上多重黏液、顏料，產生半立體。
3.疊置：任何紙、木、金屬……疊置或黏附，即成半立體。
4.木板、紙版以鉋刀或刀片使其表面剥離成捲曲之薄片，即成半立體。
5.Assemblage 法（嵌集）：集合各種大小形狀之輕薄器物、金屬、塑膠、鋅銲或膠黏於平面上，產生美感如畫作般創作，也是半立體之實用。
6.Molding 法：油土或彫刻土堆積塑造，在平面上產生造形。亦可於土上黏附其他實物，其凸出面不高，創作形式具足，亦屬半立體。
7.Carving 法（刻挖）：木、石、雕土等以彫刻刀刻挖，形成浮雕，是半立體的。
8.Bitoline 法：紙箱上方挖出窗孔，下方置一圖形，由窗孔看圖時，因距離及角度之不同，光影產生之明暗，構成不同的虛擬效果，有半立體之感覺。
9.刀裂法：以刀割裂紙或布，以壓力使其上下稍有距離或縫接，亦有半立體之功。
10.蝕刻法：金屬以強酸浸蝕，依其濃度及時間產生不同深度之半浮彫。

四、半立體及點的作業提示
1.石膏、木塊、　瓷片嵌集、紙形之重置、單元之複製
2.單色的、純粹性、幾何的、抽象的
3.美感（美學原理）

宗教圖滕與思維

2008-07-01T22:33:00.001+08:00

宗教的意識形態最為強烈，甚至訴之於戰爭，消滅別人的信仰，圖滕是代表一個部落、團體、黨派、公司、族群、國家的最重要象徵。

我們且看世界三大宗教的企業形象（Coporate Iditity簡稱「CI」），以藝術家的觀點來看宗教的思維。回教的代表圖滕是左刀右書，刀是阿拉伯彎刀，書為可蘭經，既分兩端，形極對立，一左一右，一刀一經，一武一文，一信一殺，一東一西，一善一惡，趨於雙極。

天主教、基督教以耶穌釘於木架之十字為標誌，一橫一豎，一臥一立，一靜一動，一放一升，還好交叉有心，尚能執中，唯豎長橫短，積極勝過消極，昇天大於平靜，上短下長，樂少苦多。若以其四個頂點相連，成為不等邊菱形，為鑽石結晶，尖銳無比，信得永生。

佛教以卍字為佛記，左右橫豎各為等長，代表吉祥圓滿。我視之為可旋轉的方，其延線為正方形，中點連線交叉，各方等矩，各線等長，不偏不倚，眾生平等，四個端點連線亦交叉於中心點，橫豎斜臥立靜俱足。實中有虛，方中有圓，左旋右旋，風動圓通，方圓互換，符合佛陀色空教義。

宗教圖滕用之二千餘年，淵源流長，影響甚巨，潛移默化，文化背景顯然。藝術與宗教仍人類二大精神支柱，冥冥中互為表裡，誠然不假。

形的思考

2008-07-01T22:09:00.002+08:00

形是古印度的圖滕，用於佛教、波羅門教、耆那教，並流布於波斯、希臘，通常被視為太陽、電光、雷火之符號，具有吉祥、清靜、圓滿的含意，讀音為萬。日、韓常倒轉為　字。

二次大戰時，德國納粹以卐字旗，橫掃歐州、北非進行殺戳，屠殺猶太人600萬，　形大字至今還令人生畏，也是血腥的象徵。

佛教始創於二千五百多年前，即以卍字標相，中國三代（夏商周）時期（約於三千年前）的雷紋、地紋，大都上下、左右相組，雙併即似萬字空心體，並且饕餮紋、象紋、雲紋，也都為類似，尤以周代圓渦形的雲雷紋，早存有萬字三昧。

形的思考，在造型上有豊富的內涵，從繪畫元素的線（屬一次元）結構成形，分割方形的面（二次元，稱二度空間），具有虛擬立體的塊狀（三次元），並且有旋轉的動能（含有四次元的時間因素），宗教上使用更可加上五度元的生靈層次，誠為不可多得的優良象徵圖滕。

線與圓的思考

2008-07-01T22:08:00.001+08:00

思想家利用繪畫元素「線」規範人類思考方法，應用於管理，最早為垂直思考法，近代為平行思考法，再次為逆向思考法及斜向思考法，尚未發現圓形思考法。

試看垂直或平行、斜向（含逆向），都是一條線段，具有兩端。既有兩端，即生對立，或有偏頗，垂直思考法由上而下，一以貫之，屬於權威式管理，仍儒家思想。平行思考法重視橫向溝通，趨於民主，有道家思維。圓形思考法左右、上下，無主無賓，不前不後，如如於心，圓滿天成，應為佛陀本意。

在美學理論上，點之移動而成線，線因方向與移動量而成粗細與形狀，圓是由線而來，因其斜弧方向移動不偏不倚，才能接續為圓形，重直或平行，也因線的移動方向不變才定型，垂直如人立正，平行如躺臥，斜線如起跑姿式，由是可知斜方向移動量最強，所以圓的動能最多。

圓形思考是最圓滿的思考方法，觸類旁通，圓融順暢，息息相關，周而復始，生生不息。

方與圓

2008-07-01T22:07:00.001+08:00

幾何學上，圓與方是兩個基本形，由此演化成三角形、橢圓形、矩形、菱形、圓錐形、柱形，再演化為萬種形。

規矩成方圓，這是中國周朝「算經」的說辭。設一直線，平放可測遠近，直放可測高度；轉折為直角，可測角度，合兩個直角則為方形；以直線一端為定點，環繞行之則圓形產生。

伏羲氏創八卦之時（約西元前2500年），應已使用曲尺，至周朝時應用更廣。曲尺有二個不同長度的邊，以直角頂點為圓心，可畫二個不同半徑的圓，曲尺是矩形的代表，在科學上比圓重要，圓是由方而來，但在感情上圓比方重要，圓為母、為女，是萬物之始，是美的起點。

線的延伸是無限遠，或無限的深，圓的延伸是無限大、無限寬闊，小圓有邊界，大圓我們就看不到邊框，即使山川、島海為地球的表，也非圓的邊，或曰圓的邊，也是凹凸不平的。

中國宿以陰陽論事，易經總其大成，八卦分陽陰，陽為方，陰為圓，長為陽，斷為陰；陰陽不分上下左右，也不在多寡；陰中有陽，陽中有陰，方圓亦同，圓中有方，方中有圓。

形與型

2008-07-01T22:05:00.001+08:00

天主教和基督教的信徒堅信上帝創造萬物。但肯定的，上帝沒有創造形，形是人類發現的。

我說的形是幾何形，圓形、方型，如陰陽兩極，交配而生三角形、銳角三角形、鈍角三角形、長方形、距形、平行四邊形、菱形、多角形、等邊多角形、橢圓形，接著產生各種弧形、長筒形、自由形……，千萬種形。

形有平面、立體之分，平面為形（sharp），立體為型（form），都是千變萬化、不一而足。

平面的形由線條圍繞而成，也稱面。立體的型由面相疊而成，也稱體。面，具二次元，即長寬兩種元素。體，則為三度空間，有長寬厚（或稱高）。立體型表現於彫塑、彫刻、工藝、造型、建築、物品之美感。平面的形隱藏於畫面之中，大小、寬窄、粗細，還與線條、肌理、點、筆觸，兼容並蓄。

專題講座──包裝設計

2008-07-01T21:51:00.003+08:00

顧名思義，包裝設計含蓋包起來與裝進去。筆者曾在日本東京築地展場參觀包裝展，主要展品皆係工業包裝，如鋁罐、牙膏盒、化粧品瓶……之全套生產設備。本節無法談論工業性的包裝器材、設備及大型機械的運搬包裝，只能狹意的探討商業設計中的包裝設計。

英文中的包裝應包括Packing、Packag、Packaging。Packing包含捆綁、提拿，物品放入容器內，完成、固定，並保護在輸送中的商品外觀及減低或排除搬動的障礙，並包括前述的工業包裝等等。Packag 屬名詞。Packaging是動詞，指一包裝行為，其意包括提高物品的商品價值，並且保護商品的適切材料、容器，及施行技術、施行狀態，主要還是在容器與外箱目的、機能性考慮為重點。

包裝的主要功能應有下列各項：1.做到保護內容物。2.能夠鮮明地區別競爭商品。3.保持陳列效果。4.刺激購買力。5.使用便利之考量。6.倉儲與運輸之適當。7.經濟性。8.造形美。

以上是日本設計辭典的解釋，同時對Packag Designer的詮釋為，對商品從事包裝設計的人，對生產者的意圖，十分的瞭解，對商品的性格、特性、製法、販售方法等等深入理解，確認包裝的目的，消費層對商品的愛好，經濟能力、店頭擺置場合的條件、其他廠商同類商品的設計等等問題，做十分詳盡的調查、研究之後，並對色彩、材料、形態、機能、註冊商標、商品名稱表示方法等的進行具體處理，完成設計之謂。

由於對Packag Designer的詮釋， Packag Designer在設計前應做下列工作：

1. 充分與廠商溝通，對商品的作用做深入的瞭解。
2. 同類商品的特性。
3. 商品的性格。
4. 商品製法。
5. 商品流通方法。
6. 商品販售方法。
7. 包裝的目的。
8. 消費者喜好。
9. 消費者的經濟能力。
10. 放置於商店的展示條件。
11. 競爭廠商同類及類似商品的設計。
12. 市場調查及研究。
13. 商品色彩定位。
14. 包裝材料選擇。
15. 立體形態（立體包裝設計另章討論）。
16. 包裝創意設計。
17. 包裝機能考量。
18. 商標提示。
19. 商品名稱之表示。
20. 廠商自身的經濟考量。
21. 紙張或包裝材之印刷。
22. 印刷版式、油墨之選擇。
23. 紙張厚薄及加工考慮。
24. 印刷流程之經濟性。
25. 裝箱、運輸之考量。

包裝設計人應該從事以上所列各項的瞭解，由此歸納包裝設計的範圍有下列事項：

1. 功能性
a.替代POP功能，在銷售時、點，吸引消費者目光及青睞。
b.說明商品機能。
c. 具有自我推銷能力。
d. 展示商品內容。
e. 美化商品內容。

2.美觀
a. 造型美觀。
b.富有創意。
c. 精緻、優美。

3. 安全性
a. 保護內容物之安全性。
b. 顧慮堆疊之安全。
c. 重視運輸之安全。
d.意外之安全維護。

4. 視覺性
a.包裝個體之視強度。
b. 二方或四方連續之考量。
c. 排列、疊積時的視覺擴充效果。

5.材料性
a. 填充材料之考量。
b.外包裝材質之考量。
c.內包裝材料之考量。
d.材料強度、價格、製作加工等等之考量。

6. 疊積性
a.箱、簍內堆積強度之考量。
b.運輸疊積之考量。
c. 倉儲疊積之考量。
d.時間因素疊積之考量。
e. 氣候因素疊積之考量。

7. 經濟性
a. 廠商生產成本。
b.附加生產速度、難度之考量。
c. 省錢、省時、省力之原則。
d.大量生產原則。

8. CI政策
a.商標使用。
b. 廠商文化。
c. 標徽及宣傳口號之使用。
d. 競爭廠商差別化。

9. 製作性
a. 製作時程。
b. 製作難度。
c. 軋工品質。
d. 製作之耗損。

10.色彩性
a. CI標準色之使用。
b.商品與包裝色彩。
c. 色彩之心理效應。

11. 環保
a.材料之回收。
b. 材料之銷毁。
c. 材料之安全。
d.材料之污染。

12.法定條件
a. 法定字句（如菸酒、成藥）。
b.容量標示。
c. 成分標示。
d. 製造日期、保存年限。
e.法定標誌之使用。
f.製造廠商及廠址、電話。
g. 登錄字號。
h.條碼。

備註：包裝設計費用單位成本

a.設定日本人口為一億二千萬人，台灣人口為二千三百萬人，差距為5.5倍。
b.以香皂盒為例，日本設計費為20萬，折合台幣約為5萬元。台灣設計費為1萬元，則日本貴5倍。
c.但事實上日本生活水平高出台灣2.5倍（薪水也高出2.5倍），是故設計費只貴2倍而已。
d.日本人的商品使用量大(人口多、生活水平高，使用速度快，流通快，浪費率大)。
e.日本外貿發達，商品外銷量多。
f. 是故台灣此一香皂盒印刷製作10萬個，日本則生產200萬個。
g.則台灣香皂盒的設計費的單位成本為0.1元，日本為0.04元。
h.若再以售價評比，差矩更大，以2.5倍計算，台灣售10元，日本為25元，設計費的單位成本台灣為0.1元時，日本為0.016元。

設計的定義

2008-07-01T21:49:00.000+08:00

設計的定義為：利用美術的技巧，在經濟的原則下，達到營銷的目的。經濟的原則是指省錢、省力、省時。營銷包括商品、服務、理念。

以上的定義，可以清楚設計非單指圖形。台語的「設計」，更貼切的表達出設計的本意，指的是企劃、計謀。需要按步就班、依序實施的方案，在最短的時間內，使用較少的人力與最低成本達到目標的行為。

一般說銷售，想到的是商品。目前銷售勞務也很興盛，理念的付出也需要報酬的觀念，也慢慢被重視了。如講課、傳授Know How、提計劃案，甚至牧師、神父、法師開示，信眾也會主動捐款，所以也歸為銷售行為。

設計的道理與做人、做事、信仰都是相通的，只要能一通則百通。這一點請自己先慢慢體會，有機會再和大家討論。

陶瓷之美．火中紅蓮

2008-06-25T23:33:00.000+08:00

窯火燒製陶器是古老的先民智慧，我到過西安觀賞六千年前的半坡文化，留下的物品主要是陶器，後來才有彩陶、黑陶，中國歷代都有其主要的代表釉色及形式。

陶瓷從實用演化到裝飾、欣賞，自唐宋以降即明顯呈現了，台灣的名家有孫超、王修功、沈葆家、吳讓農、王佐導，他們各具特色，坊間也常有陶瓷展覽。

陶瓷之美是科學、化學、藝術的綜合表現，它開拓一個更美麗的新視野，在一千三百度左右的高溫中，在氧化燄與還原燄的交替應用中，釉藥的礦物晶體爆裂中，在陶瓷土的縮收變質中，那無匹的色感，優美流體，無可臆測的造型中，享受無拘無束的感動。

書法欣賞

2008-06-25T23:32:00.000+08:00

書法是東方藝術的精髓，書法具有藝術性、造型性、哲學性。中國書畫號稱同源，中國畫以線條為主幹，書法純粹是東方的，淩駕歐美的，也是能夠營養歐美美術的極珍貴素材。

書法的欣賞可依序從筆劃，一字的結構、美感、型體，進而欣賞整句、整篇的對應關係，專業領域中稱為：1.結字、2.章法、3.佈白、4.……。

在台灣、中國，慣稱為書法，韓國則稱書藝，在日本多稱書道。「法」是法則，中規中矩。「藝」則為美感追求，較不重視法則，可以自創。「道」則為高超的精神境界，接近神聖的靈修。

由於幾個國家對書法稱謂的不同，我們也可體會書法境界的不同，它可臨摹其法，推展及藝，甚至道心相印，你的人生願意多一種享受嗎？

電影欣賞

2008-06-25T23:31:00.001+08:00

在學生時代（1962年），董炎良（現在已是退休的亞洲鼎鼎大名的劇作家）和我去看『亂世佳人』，他詳細的解說經典電影的編導手法，譬如說當男女主角首次約會，舞罷歸來，克拉克蓋博送費雯麗回家下馬車時，費小姐的寬裙被馬車的座位扶手鉤住了，蓋博先生幫她扶下車，這情景很平常，但卻意味兩人將來的牽扯，在文學上為楔子，引發下文的導線。

至此以後，我看電影比別人多看到了一些，我會注意到導演手法、編劇情節、燈光佈景、片頭設計、演員表情……。一般人看電影只看故事情節，隨著劇情喜怒哀樂、哭笑感動，滿足於故事內容。

同樣的票價、時間，你願意領會更多的內涵嗎？你有分析的訓練嗎？你懂得欣賞電影嗎？

算了！快快樂樂看一場電影，何必想那麼多呢？

舞蹈的張力

2008-06-25T23:30:00.001+08:00

舞蹈是藝術類別的重要項目，與音樂、戲劇較為接近。

人類早期，崇拜自然之力量，歸諸於神的賜與，所以要禮讚神，向神歌舞、獻詩、酬戲。舞蹈是主要的祭典形式。

阿美族的舞蹈，比較輕盈雅緻；泰雅族則比較強勁有力；現代舞表現的人類的肢體語言，可說表現到了極致。芭蕾舞的手足功夫必須自小練習，社交舞重視步伐協調，街舞則是年青人的專利，動作快速有勁。

舞蹈的欣賞最重要的是張力，在極度擴張之下，表現優美的體態。苗族楊翠雲的孔雀舞，還有在日本東京紅燈區看到的俏女自慰性舞，那種優美的韻動，令人震撼，可說畢生難忘。

八大藝術

2008-06-25T23:28:00.001+08:00

藝術的分類，一般分為八大類：一、文學。二、音樂。三、美術。四、彫塑。五、舞蹈。六、建築。七、戲劇。八、電影。

前五項如果記不得，請由原住民的特性聯想，轉過來即可。音樂、舞蹈、美術、彫刻，應該可以記住；文學即是詩歌，原住民的舞蹈中有音樂，音樂中全是歌詞，歌詞裡都是讚美神的頌辭，頌辭是詩，美術、彫刻也是原住民喜好的表現，所以前五項應可容易記住。

本來藝術只分六大，即包括建築，後來增為七大，包含了戲劇，近代加上了電影，合稱八大，還有人把工藝也加入稱為九大，以後可能把電腦、數位都加入藝術的類別中，合稱為十大，也是有可能的。

其實美術類包括美術、彫塑、建築、工藝。歌舞包括音樂、舞蹈、戲劇，戲劇包含電影，所以你只要記住文學（包括詩）、歌舞、美術就包含一切了。這些都是原始人類的最基本訴求，與生俱來的本能，最起碼的人生享受，請各位不要拋棄。

《休閒繪畫班》5年感言

2008-06-25T23:16:00.001+08:00

永和社大創校時，坦白說，我不知其功能、目標，隨著感覺編排18節課，所訂課目名稱為《休閒繪畫》，可見其涵蓋頗寛，舉凡繪畫都可玩玩。誤打誤中，「休閒」二字引來學員，然而遺憾的是，繪畫並非休閒，對一些學員來說，要畫出具有「水平」「美感」的畫，非要有「天才」「專業」不可，所以約三分之一的學員陸續「失學」，無法堅持到最後。

為了學員快速達到學習成果，《休閒繪畫班》已趨向油畫專班，油畫比一般之水彩、素描、傳統中國畫更容易「速成」達到「作品」性，也較有「個人化」的表現機會，技巧性也相對的減低，並且有「高貴」的感覺。

我知道不可能一系列的包辦從素描、水彩、油畫的課程及藝術欣賞、美學理論、導覽等全部有關藝術課程，目前永和社大的藝術課程已超過10種，據我所知，全國藝術課程本校是較多的，也最具成效的。《休閒繪畫》扮演「油畫」的角色，相信在全國也是名列前矛的。

學員是需要鼓勵的，「成果」是方法之一，期中成果展設於13週左右，期末配合社大的大型成果展，還有一次「繪畫研究社」的油畫展，年度中有一次老師聯合展覽及推薦學員個展，平時在課堂上也是相互觀摩、互相砌磋，達到共修的效果。學員們看到毫無基礎、懷著膽怯的同學，在短時間有了「作品」，這種實際積效，是有激勵作用的。

《休閒繪畫班》已經第10期了，超過300位學員進入本班（我設定滿班為30位，學校標準為35位），每期都有30位以上，連續5年，創校至今這是難得的。我不知「盛況」能維持多久，慶幸的是我推廣的「藝術下鄉」的理念，在永和社大看到落實。以往油畫高不可攀的迷思，現在已可輕而易舉的接觸，甚至是創作了。

回想五年前創校之時，周聖心小姐等校務人員帶隊遊街宣傳，我也在永和SOGO門前，站在椅子上介紹藝術課程；接著每學期的招生或成果展，我都全程參與，面對學員，屢次述說不用基礎就能圓夢的道理，與學員每期的實際成果表現，以及在課堂上的認真教學，雖然辛苦，也樂在其中。還有每學期我會安排兩次課外教學，參觀畫展及實地寫生，每年也會邀請別的畫家到課堂來，或到畫家工作室參觀。

社大是親民的，學員有男女老少、不同學歷、背景的人，尤其繪畫課程是非常個人化的，一位老師要帶領30人同時上課是困難的。我期盼《休閒繪畫班》只是一個開始，每人上兩個學期，第一學期完成3至4幅畫，第二學期約6幅畫，以後參加「繪畫研究社」，每月相聚一次，每學期展出2幅；家中臥室、客廳牆上都有一些自己的油畫作品，也能偶而和家人到美術館、畫廊去賞畫，那該多好。

名師出高足

2008-06-25T23:15:00.000+08:00

拜師學藝，一定要找好老師。譬如學武功，鄉下的拳師也有一套硬功夫，強身、打架都行，但是比起少林寺、武當山的武功心法，就有天壤之別，三年可抵三十年。如果你要拜師，請問你該如何選擇？

武功的最高境界是無招，繪畫的最高境界是無法。你可以一下子學最高境界，不用從蹲馬步學起，因為根本在心，心是可以急速轉換的，只要你能靜下心，集中精神體會它。

當你心境調整好了，繪畫的技法、美學原理、色彩感情、構圖變換……，不管是什麼，你都會觸類旁通，心無罣礙，有自信，飛快成長。這個道理不止應用於武學或繪畫，任何事都是這樣的。

名師出高足，你不要拜在素描老師門下，否則速寫還沒學會前，你就厭倦了，連這起碼的繪畫觀念都沒學到。

繪畫的訣竅

2008-06-25T23:12:00.002+08:00

之一

繪畫的訣竅之一是「勇敢的畫下第一筆」。

想到要畫一幅美的圖畫，初學者都覺得很困難，但是你只要勇敢的畫下第一筆，其他就好辦了。譬如說，你不知道怎樣罵人，但是當雙方開罵時，你總是會隨機冒出罵人的話，有時還很精彩，想都沒想過，自己都會覺得罵得好。

再舉個例子：接吻、做愛，當第一次接觸時，你事先也不知道應該如何動手做，但幾次以後，做慣了，自自然然就上手了，也不用準備，也不用指導，因地置宜，快樂似神仙。

繪畫也是一樣，你只要摸慣了，自己會修正錯誤，摸索出一套自己的畫法或美學觀，自得其樂，並且高興的屢向親友展示畫作，述說你的心得。

請你現在就拿起筆，狠狠的畫下第一筆吧！有了第一筆的感動，才可能繼續畫下第二筆、第三筆。

之二

繪畫的訣竅之二，請選擇「畫油畫」。

奇怪吧！一般都教人家從鉛筆素描開始，那有一開始就畫油畫。因為油畫可以無限的重改，這就是竅門所在。

如果你是年青學子，要從素描開始學畫，我不反對，但你沒有那麼多時間從基礎學起，一定要走捷徑才能提早到達目的地，所以請你從油畫著手。不多時，你就有可觀的作品了。

繪出一幅好畫，一定要一次一次的精進，也就是要修改，那有第一張畫就是世界名畫的。改畫最容易的就是油畫，油畫不怕改，其他如水彩、水墨（請不要稱為國畫）、鉛筆畫，或是書法，改越多越不好看，也不容易改，所以技巧性較高。油畫比較重思考，你可慢慢的想，慢慢的改，越改越厚，色階越豊富，自然流露出油畫的質感，涵蘊豊富，高雅又耐看。

形的感情經驗

2008-06-25T23:10:00.000+08:00

形是有感情的。自然形有自然形的直接認識，幾何形有幾何形的抽象情感。

看到樹木、溪流，直接的感覺是涼爽；看到機械、鋼鐵，感受到的是死板、不變、堅硬；這是自然界的現象。

幾何形的抽象情感比較難體會，要有學識、美學原理為基礎。

圓是圓滑、圓滿、不缺；方是方正不阿、嚴肅、正派；三角形是嚴厲，銳角三角形更是尖銳；橢圓則順暢，菱形多角變通不易，長方形比四方形較有可變性，自由曲線所形成的自由形則顯然較悠遊自在。折線所形成矩尺狀形，則有剌痛的不安感。

幾何形的抽象感情，有想像的空間，有豊富精神文明，請擴展思想領域，共享抽象的樂趣。

談色

2008-06-25T22:55:00.002+08:00

之1

色是由光而來，在黑暗中，色彩是看不見的，顏色是由光的反射而來，花朵在強光中越顯嬌豔。

光中有紅、橙、黃、綠、藍、靛、紫七色，但因光合照時太強了，所以重疊後只見白光。顏料的顏色合併以後太濃了，顯現灰黑色，前項謂之色光之混合，也稱加法混合，後項為色料混合，可謂減法混合，色光三原色為紅橙、綠、青紫。色料三原色為黃、綠青、紅紫。

光有光波，所以色光反射時，由於波長不同，人們看到不同的色，可視光波在400～700微毫米之間，400以下為紫外線，700以上為紅外線，是看不到的，聲波也是一樣，有聽得到的及聽不到的短波，一微毫米為百萬之一公尺。

色光反射後，還需正常的視覺系統去感知，這些請查閱色彩學，這裡不談理論。

色彩用語有色相（色彩名稱）、彩度（色彩的鮮明度、飽和度）、明度（色彩的黑白順序），合稱色彩三屬性，其他有色立體、混色表……，各種色彩學理論，也請有興趣的人，自行深入研究。

學畫的人，或有關工藝、設計者，比較重視色彩的感情，色彩配色，這些無法一次說明白，但也有一些簡明原則可循，後面幾篇將陸續談色有關的題目。

之2

色相各有表情，十二色環中，明度最高的置於最上方，補色為青紫色置於最下方，左方為紅、右方為青綠，其中間為相鄰色的混合，所以順序為黃、黃橙、紅橙、紅、紅紫、紫、青紫、青、綠青、青綠、綠、黃綠（逆時鐘排列順序）。

左方為暖色系，右方為寒色系，介於暖冷之間為中性色，加了白色，明度提高，加了黑色，明度降低。白、黑兩色不屬於色環中，相近的色彩謂之為同色或類似色，色環中相隔較遠為補色或對比色。

色彩的對比有1.色相對比。2.明度對比。3.彩度對比。4.補色對比。對比並非一定不同的色彩，同一色彩在不同背景色時，其彩度、明度、色相，隨之產生錯覺，並且產生5.前進和退縮。6.膨大和縮小。7.明確和模糊等感覺。

彩度有高彩度（黃、橙、紅、青）、中彩度、低彩度（混合黑或白，或其他色）、無彩度（白、黑）。明度有高明度（白多黑少）、中明度、低明度（黑多白少）。

明度高、彩度高，兩色相差大，可見度就高，謂之明視性（視認性）；寒色系或暗色系有退縮感；反之，暖色系或明色有前進、膨脹性，這些都是色彩的具有之機能。

打　底

2008-06-25T22:53:00.001+08:00

畫布己塗了一層白色底，如果你自己用麻袋布釘畫布，可以到畫材店買白色底漆塗佈，這樣省了很多油畫顏料的錢，也省了繪圖時間。

繪畫時，為了取得統一色調及省時省力，常常在買回的白色畫布上再打一次色底。一般是薄薄的土褐色，待幾天後再畫。打底的色調可用剩餘的顏料，混合調勻後，加上調和油塗佈。各種色澤都可以，只是不要太深、太厚、太鮮艷。

打底時也可不用調和油，直接塗色比較厚重，可以選擇大畫筆或畫刷塗佈，比較快完成。筆觸最好用螺旋形，這樣會留下一些條紋，有助於上色時的附著力，也可製造較豐富的筆觸。

有些畫家喜歡用「花底」，把剩餘的油畫顏料往畫布上堆，成為各種顏色都有的凹凸不平的厚厚底色。繪畫時用油質奇異筆畫輪廓打稿，這樣的畫有奇特的質感，因為底部不平整，不得畫工筆，遠看效果不錯，油畫的感覺十分強烈。

你要用白色底畫布直接畫也可以，要注意筆與筆、色與色之間，常常會露出畫布的白色，非常強烈，似乎尚未完成，還要細細去補色很麻煩。如果是有打底的畫布，空白的間隙露出同一色調，反而使畫面更具調和的效果，經濟而實用。

色彩的感情

2008-06-25T22:48:00.003+08:00

之1

寒暖、輕重、強弱、軟硬……，都是色彩的基本感情，再由相互配色的結果，色彩的感情是相當豊富的。

現在先列出色彩的心理感情：

白──明快、潔白、純真、清潔、歡喜。
黑──寂靜、沈默、悲哀、絕望、嚴肅、恐佈、罪惡、死滅、安息、拒絕。
灰──中庸、溫和、謙讓、平凡、懺悔、不得要領、中立。
紅──熱情、愛情、戀愛、喜悅、活力、血液、太陽、火焰、憤怒、積極、勢力、革命、暴力、共產主義。
橙──嫉妒、虛偽、熱烈、活潑、積極、生氣、樂天。
黃──成熟、愉快、發展、黃金、聊天、希望、快活。
綠──清爽、高貴、草木、和平、遙遠、健全、生長、漸進。
青──誠實、磊落、陰鬱、海洋、悠久、廣漠、沈靜、消極、優雅。
紫──神秘、優婉、高貴、莊麗、不安、永遠。

再舉配色的心理感情：

黃：紫／聰明的知識：陰沈感情的虔誠
青：橙／柔和的信仰：得意的自尊心
紅：綠／官能的力量：同情
紅＋黃＝橙／權力＋知識＝有知能的自尊心
紅＋青＝紫／愛＋信仰＝虔誠
黃＋青＝綠／知識＋信仰＝同情這些都不是絕對的，是心理感覺的，只要記得色彩是冇感覺的、個性的，你在用色時，就會加入自己的思想，使畫的內涵更深，感受更強，也更有自己的個性。

之2

人類的內心具有矛盾的潛在，善惡間歇性的浮現，這是畫者與欣賞者之共鳴點，也是相互的補償作用。

重視配色的效果，使畫面色彩感情得宣洩，在色環中120度以內的配色，色相差尚小，可得調和之效，180度配色即是補色，配色除色相、彩度、明度之外，尚有比重問題，即為色彩面積的大小配置，可以產生動的效果。

一幅畫的感動，不只由於圖畫的內容或色彩的鮮豔，而是畫作本身的內涵，色彩因素的比重最大，色塊所築構的空間感，色階所蘊藏的內涵，色相所含蓄的心理感覺，顏色的相互對應關係，整幅畫的色調感動，實非筆墨所能形容。

之3

色彩是有感情的，感情來自於自然現象與心理因素的歸納，是世界共通的。

紅色代表熱情、血腥、暴力、活力、烈火，血、太陽都是紅的，道理很淺顯。綠色是成長、涼爽、和平。藍色是水，是靜，也是清潔、涼爽的象徵。黃色是溫暖，粉紅色為愛情，橘色是成熟，紫色是神秘，黑色是黑暗、神秘，白色是光明、純靜。

土地、民族、風俗之類以土褐色對應。陰險、嚴厲、宗教、鬼神等，以紫黑、紅紫、深藍等暗色調為宜。

對比是強烈、矛盾、互補，調和是協調、保守。最好的配色原則是對比中求調和，這樣才活潑、有變化，並兼具有秩序。

畫面的色彩配置

2008-06-25T22:42:00.003+08:00

畫者探究畫面的色彩配置時，表示畫者的進階，有些自稱為畫家的人，還停留在表面的風景色彩裡，或靜物色彩明暗中。

畫面的色彩配置，雖然因人而異，但是美學原理是一致的、共通的，最主要的原則是：1.平衡，所謂「平衡」是視覺平衡，稱式平衡，不穩定平衡，平衡中具有不平衡的因子。2.調和，所謂「調和」是調而和之，即表示其中有不調和的因子，所以調之、和之。如果畫面已極度調和，則不用調之使之合之了。3.韻律，所謂「韻律」即音樂性動感，畫面的虛擬動感可由形、色為之，色彩的動感來自於色塊的大小、方位配置，再由視覺的導引而旋動，所以畫者必須加入自我的色光變化，加以增減、強調，而非一味的實寫。

攝影家為了一道彩霞，經年累月廢寢忘食，守著那一剎那。畫家省事多了，即刻可以自造光源，畫面的色光處理，是畫者的創作基本權利，自己要珍惜、把握。

談配色

色彩與形狀一樣，是千變萬化的永遠追求，請勿試圖自訂一份配方，一輩子抄襲，那不止不美，也阻礙藝術創作的樂趣。

色彩是有感情的，這些感覺是由人類生理、心理與教育而來，部份也由物理學、社會學印證而得，當然還有視覺系統傳輸與感覺。一般都知道紅是代表熱情、愛、暴力、血腥……等。

配色的基本原則，應歸之於美學原理（調和、統一、對稱、平衡、比率、對比、韻律、強調、對應、層漸）。譬如說：「紅配綠狗臭屁」，紅與綠是色彩主要色相，是必用的，所以又說：「紅花還得綠葉扶」，紅花在綠葉中更顯得驕豔，所以紅與綠的配色關鍵在比率。紅與綠對等配置時，符合美學原理的對稱，對稱是死板的、保守的，所以女人穿紅上衣配綠裙子，百分之五十對一半，當然很土。如果改成百分之十五的紅花，百分之七十五的各種綠色葉子，再加上一些有的沒的色彩，產生視覺平衡。或講究強調、對應之原則，花的分配重視韻律感，則是一幅美麗的圖畫了。

配色

色相是色彩的名稱，色環是色彩的圓形排列，相對180∘的色是補色，相近的色是調和色，60～120∘以內是對比色，理論上三原色可以配成各種色。

同一廠牌的紅色約有10種，綠色也差不多有10種，把任意二種或三種紅色相配，不同的各種紅色於焉產生。初學者並不要求那麼多的色階，只要記住，不論你要使用何種色調，一定用三種色料去調配，還有一定要調均勻，你就把握了調色的訣竅。

譬如說，你要畫黃花，就用黃配白色，加一點紅色；你要畫紅花，就用紅色、白色、黃色或在深暗部份加藍色或黑色。綠色是由黃、藍配成的，再加一些綠色、白色，則綠色的色階就很豐富了。

使用單一色彩的毛病在於：

1.膠及顏料、油，在製造分裝時並不均勻，而且放置久了，油、膠會分離而浮在顏料上面，使用時必須重新調勻。

2.顏料經過搓揉後，黏稠性增加；像捍麵粉一樣，用力各方向之搓揉才會Q一樣。

3.單一色調沒有色階，就是沒有層次感。

4.單一色調太鮮豔，太不成熟，有生澀感。

5.無法出現特殊的色調，單一色調皆是常見之色，偏向俗氣。

配色不要用太多油，筆要翻轉，顏料擠出多一些，用相近的色調配，第二次調配時，各色比率自然會有多寡，自然產生色階，還要用一點力。

談調色

色相是無盡的，顏料無法無盡的的配色，也不符商場原則，所以雖然你買了一盒顏料，還是要調色。調色也是一種很好的腦筋運動，油畫的調色最豊富，臘筆最少，小孩子學畫常用臘筆限定在12色，思考空間有限。大人太節省，不願浪費顏料，常以少許的顏料要配出多樣的美麗色調，也是椽木求魚。

一種廠牌的紅色大扺有十種以上，選定一種以後，請另選二種相近的紅色再予調配，這樣調出的紅，就不會像原來那麼俗氣了。顏料在生產時，機械的攪動是規則的，不似人的手勁，手工饅頭比機械製饅頭好吃，就如調色一般，麵粉沾水後越桿越Q，顏料也是一樣，越揀越有彈性，混色攪拌不止顏色超俗，更可保證充份調色，還有顏料中有油、粉、顏色、膠，由於儲放，已漸次分離，使用者必須再次充份攪拌才能有更好色彩表現及黏著力，畫起來的質感也不一樣。

大的調色盤，放置眾多的色相，有助於調色的多樣化。

調色可以無中生有，但若於有中比較，更能觸類旁通，這是調色最高準則

油畫初步

2008-06-25T22:39:00.002+08:00

任何繪畫，第一要件是要有興趣，想做做看。有的人一接觸後，就覺得與當初的期待有很大的差距，有人抱著姑且試之的心理。總之，既然想試試，總要花點時間。

油畫初步，精神建設很重要，你不用想要成為畫家，先設定這四個月，你起碼要畫四張畫。二幅小的，二幅比較大一點的。

油畫基本配備：

1.油畫顏料：專家用的油畫顏料，色澤、黏度、耐久性……，什麼都比學生用好，當然貴一點。我建議：黑、白二色用國產皇冠大瓶（一瓶75元），其他選用日本好賓牌（大瓶每瓶250元）。紅、黃、藍、橘、紫、綠、深紅、淺青、淺綠、褐，依自己喜好選六種。

學生用的油畫顏料12色約400元，高級老荷蘭專家用顏料一小瓶就不止600元，每廠牌色種皆在100色上下，所以應依自己財力及自信選購。

2.調和油：油畫本身即含油質，可以直接畫，效果厚重，質感強烈。也可以加入調和油（一般使用亞麻仁油），使油畫顏料稀釋。調和油依其濃度及乾燥的快慢分成多種，加入松節油愈多，調和油愈快乾，同學可依需要購買。初學以5號調和油比較適宜。

油畫的乾燥是氧化過程，表面乾了，內部尚未氧化，因為表皮有一層薄膜，使空氣無法進入。所以塗佈保護凡尼斯液時，要等三個月以後。

3.畫布：畫布分全麻、仿麻、棉布三種。歐州貨比台灣貨貴數倍，韓國貨最差，台灣棉質畫布比韓國仿麻質地要好。畫布的好壞與油畫保存及滲透色有密切關係，初學買台灣畫布就好。

畫布有規格，一般5號以下同價，約為50元，依次號數為6、8、10、12、15、20、25、30、40、50……，也可以定做。各號又分F、P、M、S。F為人像，面積最大；P為風景，為F的短邊少20％；M為海景，為F的短邊少30％；S為正方形（請閱油畫尺寸表）。號數越大越貴，還有畫布支架的木框有好壞，也請注意，也可以依自己的需要訂做。也可以買一卷自己裁製，或委製。

4.畫筆：畫筆有很多種廠牌及規格，買便宜的就可以，分大、中、小，買6支左右即可，畫筆一定要洗乾淨。

5.畫刀：打底時，畫刀可以快速畫好略圖，效果很好。何備二、三支，每支約近百元。

6.洗筆液：丙酮最好，甲苯、松香水、香蕉水毒性較強，松節油尚可。凡洗筆液都有腐蝕性及揮發性，對身體有傷害，宜置空氣流通處。洗後再用肥皂洗一遍及洗手，把洗筆液清除。

7.煤油：最便宜、安定的洗筆液是煤油，揮發性較低，加油站即可買到，120元左右。

還有一些比較非必要的工具，以後再慢慢介紹。如果你嫌太複雜，初學者可到畫材店購買他們自己組裝的組套，約為2000元，包括油畫箱，你就可以畫3～4幅左右了。

油　畫

2008-06-25T22:36:00.002+08:00

繪畫領域中有素描、水彩、壓克力畫、油畫、水墨畫、中國畫、綜合媒材……等，其中油畫為最具現代性、國際性、高貴性，然而卻是最容易發揮、最具個性化的畫種。

油畫訓練不用從素描、水彩開始，直接由油畫進入即可。水彩的淡色是水份控制，油畫是由白色混色，技巧各自獨立。

有素描基礎再學油畫當然好，有美學理論基礎再學油畫當然好，有中國畫的技巧再學油畫當然好，但是沒有這些基礎也沒關係，因為各種畫技都是獨立的。

油畫可以素描，以單色作畫。譬如你要畫黃昏，用駱黃色加白，加深，加黑，一色即可畫出黑白素描效果，而且更具詩味。用藍色加白、加黑來畫夜色，可以很細膩的表現靜謐的月夜，比黑白素描更快速、簡單、更高貴，更有價值感。

油畫不需要像中國畫一樣背寫技法，千篇一律，用黑墨描繪。山可以畫綠色、紅色、黃色、黑色、白色，多麼自由，多麼有思想，多麼有變化。水也是一樣，可以厚塗，也可以薄抹，筆觸可大可小，多方便。

油畫的最大困境是你不敢下筆，你以為很難，因為它太高貴了，你反而不敢動它。其實總共才2000元，可以畫3～4幅，工具還在，油畫顏料一盒才400元，你花得起的。

油畫最可貴的地方是表現個性，豪爽者用色、用筆明快，保守者細細描繪，總覺得自己畫不好，畫錯了，羞於見人。其實畫油畫是「脫線」的最好機會。平常你不敢做的，在油畫裡大力表現，毫無顧忌那就對了。

我的抽象理論

2008-06-25T16:57:00.001+08:00

一九二○年頃，第一次世界大戰結束，人類經過戰爭的浩劫，思想受到極大的衝激，從俄國到德國的康丁斯基在包浩斯學院，創作了構成主義的抽象作品。

第二次世界大戰於一九四五年終戰，人類又一次受到痛苦的艱熬，美國紐約的畫家們興起大型抽象之風，隨著美國國威的強盛，登陸歐州，形成世界美術主流。拜戰爭之賜，人類思想受到無比的激勵。

中國的春秋戰國時，百花齊放、百家齊鳴，多元思想達於巔峰，所以戰後思潮是人類的瑰寶。

我摘取構成派與抽象派的理論及形式，創新為抽象構成主義，樂此不疲，創作不斷，希望年青人能體會其美感。

畢卡索的偉大

2008-06-25T16:56:00.000+08:00

我舉辦過三十次個展、聯展約四十次，國外就有十六次吧！我走遍全省個展及演講，當然會碰上一些話題。

好幾次聽到有人說：「畢卡索的畫亂畫，看不懂，比我小孩或侄子畫得還差。」聽到這一類的話，我會向他說：「少年人，不懂就少批評，畢卡索是世界公認的寶貝，他創造了立體派，豊富了世界美術史，也豊富人類文化史，如果有一個人送你一塊土地或一棟房子，完全免費，你會感謝他嗎？畢卡索的偉大就是完全無報酬的送給人類思想的空間，使人的腦中多了一片土地與房屋，不只上一代享用，這一代享用，億萬的人類、代代免費享用。這樣的人是多麼偉大！抄襲畢卡索的畫，畫得比他好，拾人牙慧，有何用？」

立體派創於一九○七年，至今快百年了，這麼古老的發現，有些人就是不看書，不懂而硬是批評人，大聲告訴人家：「我是白癡。」多蠢啊！

抽象畫已有百年歷史，應該懂一些

2008-06-25T16:55:00.000+08:00

我經常展出抽象畫。好幾次，有人在我面前批評，畫什麼呀！亂畫，這種畫也敢展，小孩都畫得比他好。我懶得爭辯，後來，我在畫旁貼了字條：「畫家沒有義務免費向你解說，抽象畫創始於一九○六年，距今近百年，是古老的東西，你不去書店買書看，你不懂抽象畫，請勿說看不懂。看不懂是你的事、是你的無知，請你回去翻翻書。」

另一邊我也貼了一排字：「人類的文明得助於少數精英的創見，我是繪畫界的精英，你無法了解精英的創作，就如你不懂化學、物理、科學、數學的高深理論。」

以後，人們不應該批評精英的實驗，也請大家有幸進入抽象畫的境界。

後現代主義

2008-06-25T16:52:00.001+08:00

二次大戰以後，功利思想濃厚，機能主義被極端重視，表現於建築的是功能性的十足應用，不浪費空間，材質現代，結構安全而完整，這是好現象。

然而這樣一來，大家千篇一律追求準確、功能、完整，使人類趨於一元表現，那是多麼無趣、無個性。譬如說音樂彈奏家演奏貝多芬的曲目，我們利用科技，把所有的個別演奏，都利用科技調音，達到百分之一百的準確，分毫不差，你說這樣好嗎？

演奏者應有自己詮釋其曲目的自我風格，甚至容許少許的走音，每人各有不同，建築物也可脫線的裝飾人工粗糙的一面，表現自我風格，如果大家都住方型的建物中，日子怎麼過。

後現代主義就是有一點不規矩，有自我風格，不很正點，反對功利的作風，我相信你一定有。

空間主義

2008-06-25T16:49:00.001+08:00

抽象畫有兩支，一為康丁斯基所倡的構成派，在俄國流行後，在德國巴浩斯學院倡導，成為世界美術史極重要畫派，影響極深。另一支為馬勤維奇所創的「最簡單抽象畫」，畫面上只有幾個紅色、黑色方塊，這種畫己超越以往繪畫形式，探討畫面空間結構，所以把他們歸為空間主義。

空間space的解譯很寬，含蓋面很廣，把科學發展的新素材，都應用到繪畫形式，加上自身的熱力、幻想、空間感覺，綜合光、色、音、運動、時間，加以創造新意識。

一九四七年，義大利畫家封答那在空白畫布割裂，產生凹凸不平的空間感，發表「空間主義宣言」，震撼世界美術史。

用刀割裂畫布，誰都會，但在二度畫面，改成三度空間的思想突破卻很難，畫家在畫布上嘗試透視、明暗、色彩筆觸、對應關係，試圖虛擬三度的立體空間，封答那只要一刀就做到了，他的偉大就如人們的大腦挨了一刀，豁然開朗。

野獸派與表現主義

2008-06-25T16:48:00.000+08:00

一九四五年，馬蒂斯等畫家在法舉行畫展，他們用色大膽，筆觸縱橫，大異常軌，被藝評家謔稱如野獸群，因而得名，也稱野獸主義，歷時三年即由盛而衰。

野獸派受現代繪畫思潮影響，後期印象派的主觀表現思想影響最深，其特色為大色塊、大筆觸、大紅大綠、線條粗獷、用色大膽、形體變形、誇張、單純化、裝飾效果濃厚。

野獸派後來改名為「巴黎畫派」，同期受後期印象派影響有表現主義，也是強調主觀、唯心、自我感受，也是以誇張的形體和色彩，發洩內心的苦悶。

表現主義流行於德國、奧國，並與文學、音樂、戲劇同流興盛，形成一種風尚。

塞尚被奉為現代繪畫之父，也被歸類為後期印象派畫家，現代畫大抵受其直接、間接影響，跨世紀的二十世紀初年，風行雲湧，畫派林立，自我意識高漲，野獸派與表現派是其中兩大支柱。

印象派

2008-06-25T16:46:00.000+08:00

一八七四年法國一批畫家在官辦的展覽中落選，伳們聚集畫作辦私人畫展，其中有一幅莫奈的畫作標題為「日出的印象」，畫面模模糊糊，畫中太陽在海面升起，藝評家調侃為印象派，本為嘲諷之語。

十九世紀中葉，法國崇尚學院派的保守思想與表現手法，繪畫內容吸取神話、基督教傳說、宮廷故事，以傳統的格式追求繁瑣、浮華。印象派畫家反對這種畫風，採取在戶外陽光下直接描繪景物，追求光影的變化，這是美術史上的大突破。

起先這個畫派稱為外光派，落選展以後稱為印象派，前段也有一些畫家從事這類創作，稱為前期印象派，接著用色光七顏色的點描派也稱為新印象派，後期多有變革統稱後期印象派，主軸為拋棄客觀描繪，強烈主觀感受，此派歷經百餘年，至今風行不衰，尤其在台灣，幾乎都是印象派的市場。

素人畫

2008-06-25T16:40:00.001+08:00

素人畫也稱樸素畫，指未受過美學訓練的老人的繪畫作品，是自發的、本土的、自由的、原始的、地域的、快樂的繪畫形式。

台灣的素人畫家有洪通、林淵、吳李玉哥……等等。有些人又去學素描，企圖有學院派的準確，殊不知這樣就失去了素人畫家的基本條件了。

素人畫全世界各地方都有，只在當地出名，不能列入美術史，卻可列入地方誌。譬如九份有李承宗的瓦畫、胡達華的釘畫、李桂雲的紙粘土油畫，他們受媒體寵愛，多方報導，成為知名人士，然而基本上他們是素人畫家。

素人畫的特色是無拘無束，用色大膽。畫滿畫面，平面式，線條、韻律感較無，粗細統一，比較工藝性。他們是各自獨立的表現，豊富了當地人民的精神生活，值得嘉許，值得鼓勵。

世界最著名的素人畫家是美國摩西婆婆，80歲開始畫，100歲逝世，作品廣為美術館收藏。

法國薛茂克也聞名於世，被為「穿木屐的畢卡索」，2001年9月曾在國立歷史博物館個展，童趣十足。

畫與佛

2008-06-25T16:39:00.001+08:00

生命充滿未可知的驚奇，尋覓未知，圖畫創造尚未發現的宇宙，凝結智慧。天主教說上帝創造萬物，藝術家則在抽象中造型。

我皈依佛門，常以佛理說畫，但並不企望一般佛教徒認同，我說畫，也不設想為畫家首肯。人類最可貴的是創造性的思維，引動文明巨輪。我認為佛是一種境界，不是一門學說而已，雖說佛學理論架構完整，圓順通達，無懈可擊，但還是回之於心證，瞬息萬變，億萬劫數繫於一念之間，境隨心轉，禪悟最美，不是佛學飽滿，泥守經典，方登淨土。

畫中世界一點一線，一劃一色，相生相剋，似正似斜，如純如混，似有法而無法，既規則又散亂，既守法又浪行，百思而不得解，倏忽又開朗，透出光明。

我以我熟悉的畫論去體會佛法，也以佛說去創造作品，自得心得，不亦樂哉。

藝術的真與假

2008-06-25T16:37:00.000+08:00

藝術追求的真，不是表面上的真，是盡情的真，內在的真，不騙人的真，連接到美的真；所以表面上來看，藝術的行為、表現是假的。

舞者跳舞，扭泥作態，非常人所為，很假；演員在演別人，假戲真做，時空顛倒，真假難分；畫家創作，把山畫成紅色，感受烈日下的太陽光熱；雕刻家用塊狀塑造關公，更能顯出其威武、雄壯；甚至攝影家拍照片也常在暗房裡動手腳，遮遮掩掩，把真相做假，更有個人風格。

繪畫是造假的行為，是畫家內心真的表現，如果你太執著於表面的真實，就很難激發內在的精神，反而不美。世間有太多的虛偽，輕浮塗抹表面，俗氣的美感被大眾奉為主軸，鄉愿是世間交往的準繩；個人雖然無法改變，但起碼不要同流合污，一起去造假，留下一些澄清的真；請您接近藝術的純真，善盡造假的衝動，沒有懼怕，達到純美的境界。

窮畫家的道理

2008-06-25T16:36:00.000+08:00

如果，你認為畫家都很窮，那你錯了！住別墅的畫家大有人在。畫家經常出國、旅行，都要花大錢的，畫家出版畫冊，起碼要二、三十萬元，舉辦個展，少則數萬，多則數十萬開銷，那算是窮人？

以往父母不願兒女學畫，因為四十年前政經情況不同，生活水平亦異，現在只要經濟情況尚可，在客廳擺掛一幅油畫，已是普遍高雅風尚，不同以往懸吊月曆美女、水墨牡丹、印刷名畫的時代了。真的！原畫已進入一般家庭了。

畫家雖然有收入，還是要窮比較好。試想，有千萬現金的畫家，每天想著錢怎麼存放、應用，被金錢牽絆的人，怎能安心致力於創作？

錢很好，大家都知道，也因為太好用了，所以要放棄。豊饌、美女、華服、豪宅、名車都很好，但是貪戀俗物不利繪事，所以畫家應該把自己處於「窮」的狀態中，不為金錢左右，不為俗事煩心。

畫家群相

2008-06-25T16:30:00.003+08:00

之1

歸納畫家生活形態有三種：1.被養的，2.自己找飯吃的，3.吃餿水的。

男、女畫家都一樣，只要你是畫畫的，也夠得上畫家的程度，就會被異性所喜歡。女人普遍由男人供養並不稀奇，女人供養男人才值得告訴大家。

男畫家，風流浪漫，體貼多情，個性豪放，氣質不凡，使女人產生偉大愛情，甚至供養其生活，以為培養這位礦世奇才，眼光獨具，厥功甚偉，但結果大多數是失望的。

一般來說，這一類畫家不大長進，當女人棄他而去時，男畫家再另有一位女性眷顧，不愁吃喝。

這一類畫家溫順有禮，沒有大脾氣，也沒什麼不好，只是懶一些、笨一點，否則他已成為第二類，或變為第三類畫家了。

之2

第二類畫家，就是社會公認的畫家形態，年齡偏大些，經濟有基礎，畫歷完整，享有知名度，畫的作品已有一些水平，也有人收藏，吃喝無慮，自得其樂，我行我素的人。

這種畫家，普普通通，沒有什麼創意，倒是有其不變的風格堅持。年齡越大，自視越高，畫賣得越好，以為自己是世界名家，無匹巨將，神氣得不得了。

這一類畫家都是印象派的徒子徒孫，基礎紮實，認真繪事，畫風甜美，博得收藏者喜愛，不過這種畫，不是創作，是素描基礎，不可能名留千古，卻可在世間迎逄貴客，過著優裕的生活。

這一類畫家最大的好處是認真，最大的缺點是酸氣。他需要人尊敬他，他在批評別人時，你要靜靜地點頭，若有所悟；他在教你如何畫時，倒是很真心的，甚至是他唯一的看家本領──遠與近的光影變化。

之3

第三類畫家，則是憤世嫉俗，生活落魄，打扮獨特，行為怪異，自比天高，語不驚人死不休的藝術「家」。

一般來說，這類畫家疏懶成性，話比畫多，畫風超世，理論高不可攀，個展極少，也看不慣別人的表現。總是成天批評別人，不檢討自己。

他們喜歡一堆人泡在一起，喜歡搞怪、做愛，異性換來換去，男女關係複雜，在異性面前容光煥發，大放厥辭，天才橫溢，吹牛不礙事。不然就是離群索居，特立獨行。

他們做的東西，必稱現代藝術、裝置藝術或什麼新名辭，奇形怪狀，不務實際。嘴裡經常掛著一串外國藝術家的名字，不時噴些洋經邦英語，好像很新潮。

請你注意看！這種年青的畫家很多，他們一生只有幾件作品，卻靠著興風作浪出名獲利，沒有本土觀念，利口強辯，他們有些也吃得好穿得暖，有些則真的沒飯吃。我統稱這類畫家是吃餿水的，務請諸君小心碰上。

之4

有一種畫家我比較欣賞，他不是一直在畫，而是要畫的時候才畫，總覺得自己的畫不是很好，改之又改，試了又試，嗇於在畫上簽下名字，簽名也不太正經，常說畫家只是畫畫，簽名是為別人。

這種畫家會空出很多時間，如果他把這空閒用之於家人、事業、玩樂、旅遊、女人，那是業餘畫家，不是專業畫家，不在畫家之列。如果是在不畫畫時，看書、寫字、兼課、看畫展，偶有所得，形之為藝評畫論，就教於藝界、同學，或形之於畫布、畫紙，試圖創造新的體裁，心繫於斯，忙於斯，才可能成就於斯。

畫家絕不要重利重名，也不用輕利輕名，應是自然成熟，質地天成。

現在，我來描繪理想畫家的形態：寡居陃室，空間寬廣，書牘盈室，作品滿牆，雜物堆陳，間有古董，偶有細作，中西書畫，造型雕塑，疊置屋角，畫架數付，畫作未乾，筆刷待洗，顏料四佈，圖片滿地。畫無畫風，字無字體，朝圖夕改，樂在其中。以上是畫室總覽的狀況。

再看看理想畫家生活：起息無定，時空倒置，生活儉樸，閉門謝客；偶逢知己，品圖論字，浪漫性格，似真似愛，陰陽相濟，若即若離；粗衣淡飯，葷腥不忌，囫圇吞嚥，簞食瓢飲，不以為憂；興之所至，澈夜未眠，不知東方之既白。

真、善、美

2008-06-25T16:28:00.002+08:00

藝術追求真、善、美，大家都知道。真是誠心為之，不自欺欺人；善為努力以赴，做到完善；美是協調統一，美感動人。

真是心態，善是行為，美是成果。這和一般工作是一樣的，做任何事都要盡心盡力而為之，做到盡善盡美。對得起自己良心，遵循職業道德。

藝術工作與一般工作的差別重點在「真」。一般工作是制式的、領薪的，甚至是被動的，工作對他而言是賺錢、職業，他並不一定喜歡這份工作；而藝術家不論是創作作品，或演了百次同樣的戲，或唱了百次同樣的歌，都必須要溶入真誠的感情，提振十足精神盡心誠意為之。

「真」說來容易，做起來卻難。真話傷人，真情難纏，天真的人無法委以重任，人活在假面具之後，思前顧後。

畫家要有真，才是藝術家。

畫家、藝術家、畫匠

2008-06-25T16:28:00.001+08:00

許多都市都有替人畫肖像，一幅約二萬元台幣，只要交照片，就可放大為彩色油畫肖像。這種畫家，我們不會認為是藝術家，心裡明白他們是畫匠，但是當自己想要學畫時，又希望自己當畫匠，畫得唯妙唯肖。

紐約有位大富豪，特地禮聘大畫家畫他媽媽的肖像，大師交出一張不像他媽媽的肖像畫，富豪大表不滿。大師說：「你知道嗎？我是創作我的作品，我不是寫實畫家。如果你要畫得像，街路邊到處都有人替你畫，又快又便宜，你又何必找我？」這個故事對你有啟發嗎？

畫家的可貴在於對繪畫的執著，朝著自己的風格至死不渝。藝術家的特點則是全身充滿藝術細胞，嘗試創作的挑戰，並不固守一種材質或畫法、形式、風格。畫匠則是具有純熟的繪畫技巧，一生為出錢的顧客奮力不懈。

藝術家的定位

2008-06-25T16:25:00.000+08:00

世俗是一個大圓圈，平靜而無奈的生活著，人們為食衣住行、柴米油鹽、生兒育女、延續人類、製造下一代，是很保守的、人倫的、可愛的一群。

但是藝術家不能在圓圈裡面，他們是圓圈外的一點，獨立、個別、不合群、不同思考模式。

雖然是圓圈外的一小點，人們習慣於注意這一點，眼光聚集，燈光照著的焦點，若是這一點與大圓邊的切點連接，就可發現這點是三角形的頂點，這小點引導著大圓慢慢蠕動，社會跟著有了變化，文明有了新的面目。

走出圈外吧！把世間的俗務拋開，功名利祿、家庭倫理、男女私情置於一旁之後，雖然物質生活差一些，你會得到精神上極大快慰。

心象與形相

2008-06-25T16:24:00.000+08:00

形相容易模仿，心象難予捕抓，這是不爭的事實。

寫實畫比較簡單，只要有耐心，慢慢的描繪，或借助於工具，都可以描得很像，唯妙唯肖的；但心中的想像要畫出來就很難了，就像夢境中的情景，很難說得明白。

風景、貓狗、人物、器皿等形體顯著的，要畫得像並不困難，多拍幾張照片，選一張放大，細心的描繪，慢慢的塗抹，一定接近實物，你去實驗一次，就知道畫家並不利害，你也可以做得到。做得到又怎樣？你只不過是台灣島上十幾萬學畫者的一員，一點也不稀奇。

如果你把心中的思想、小時的記憶、對事物的看法、色彩的感受，透過繪畫的形式表達出來，不要管像不像的問題，只管你是否真正有些看法，這樣畫出來的畫，每個人的畫風都不一樣，多模多樣，生動、可愛。

著相失去心境，過度重視表面形相，反而失去最重要的精神空間的追求，得不償失。

佳作的感動

2008-06-25T16:23:00.000+08:00

依我繪畫的經驗，只要經常面對一幅畫，發現缺點就修改，直到滿意為止，應該算是佳作。我的論據是我的繪畫技術、專業能力、學術修養為背景之判斷，應該可以相信。

當畫家全心全力致力於畫作時，我的解釋是能量轉移到畫作，畫作中聚集畫家更多的能量，成為佳作的可能性越高。

我曾經和幾位印度東傳的奧修教派門徒一起在畫廊看畫，他們閉上眼睛、張開手掌在畫面上移動，感應畫幅中的氣，我注意到他們說氣盛之處，即是畫的主題部份，頗為靈驗，這和我的能量說法不謀而合。

佳作不是畫得很像，技巧很好的稱謂，而是聚集豊盛的精神能量，賦有真誠感情，一看就會使人感動的畫作。

啊！看到心有所感的畫，是多麼貼心呀！

藝術的感動

2008-06-25T16:20:00.000+08:00

藝術的感動主要是濃縮。

戲劇、電影濃縮了情節，高潮疊起；音樂強調節奏，旋律起伏，超乎想像；美術、雕塑摘取精華，去除雜碎，呈現動人美感；舞蹈扭動身驅，展現人體的力與美，達於極限。文學、詩歌亦是濃縮思想、行為、字句、故事，去蕪存精。

所以說，如果你想接近藝術，最好要學會感動，當你情感散發之際後，請你也能理智的濃縮，濃縮成一次又一次的高潮，使人目不暇及，美不勝收，感動莫名。

高潮是巔峰，是極致，藝術要極致的表現，不是平凡的淺嘗，但是社會不太容許大鳴大放、放蕩形骸、驚世駭俗。

來，我們一起來試試，享受脫線的真誠與快慰。

藝術欣賞

2008-06-25T16:19:00.001+08:00

我常常被問到「藝術怎樣欣賞」．我的回答是多看、多關心、愛它，它自然回饋給你。

這個道理很簡單。你如果喜歡一位心儀的異性，你希望每天看到他，心中常念著他、愛著他，久而久之，他對你也產生好感，使你了解他，甚至也愛上你。

藝術範圍很廣，單以美術類來說，就有速寫、素描、漫畫、淡彩、水彩、傳統水墨、現代水墨、粉彩、油粉彩、腊筆、壓克力畫、多媒體畫、油畫、裝置畫……，甚至包括書法，不一而足。

每一種欣賞的內容，常有偏重，除了依據「美學原理」歸納外，構圖、色彩、神韻、元素組合、肌理、相對應關係、特別技法應用、透視、素描能力、思想表達……，總之是多方位的體會，瞬間呈現，每一幅畫的感動皆有不同，要由自己心神意會，很難在口頭上說明，而且各人體驗各異，資質參差，欣賞的內涵程度必有差別。

創造力的培養

2008-06-25T15:57:00.001+08:00

人類的文明、進步，得助於極少數人的創造，創造大都需要一段時間的實驗，鍥而不捨的研究。

創造寓於對傳統、現況的不滿，基本上屬於反叛、改革的行為，異於當時的環境，比較不容於社會，常被稱為怪胎，令人不敢親近。

創造力不可能憑空而來，必須像運動選手一般的訓練，不能間斷，不可能期望一位平時慢吞吞的人，一下子就能飛速奔走，奪得獎牌。藝術家必須平時就訓練自己超俗的言行、觀點，異於平常人的思考，培養創造的基因，鍛練冒險犯難的精神，不怕人取笑、誤解，經常動腦，敏銳觀察，勤於創作。創造力的培養是辛苦的，異於常人的。你願意嗎？你敢嘗試嗎？

創造的樂趣

2008-06-25T15:55:00.000+08:00

當你心中燃起創造的欲念，就好比引進一束光芒，心中充滿智慧，人也馬上變得可愛起來。創造的動力可以活潑你整身的細胞，充滿喜悅，也可以感染周邊的人。

創造與發明都是無中生有。發明偏重於一件物品，造福人類；創造比較偏重於精神層面，並一定要有一件具體的實物，只要有新的領悟，都是創造的領域。

在繪畫、彫塑中，你改變了一種技法、肌理、形式、色彩組配，加入學理、思想，摻入科學、光學、醫學……，改變外觀，不論你做了什麼新嘗試，都是在創造。創造不一定被肯定，被應用或有助人類文明，但創造卻是人類進步的最重要因素，請你一起來動動腦，享受創造的樂趣。創造並不一定是繪畫或造型，只要在你腦中產生新思維就已經足夠了，這是接近藝術的第一步。

開卷語

2008-06-25T15:53:00.002+08:00

藝術是由有規則發展到無規則的最高境界

藝術的規則是藝術概論，也可稱做「美學原理」，這是世界共通的準則，應用於七大藝術範疇中，如詩歌（文學）、音樂、舞蹈、美術、彫塑、戲劇、建築。在彫塑、工藝、立體之應用則稱「造型原理」，在設計上則稱「設計原理」「構成原理」，它包括幾項法則：1.調和。2.韻律。3.對比。4.對稱。5.比率。6.平衡。7.統一。當然也可以再增加幾項。

如果你照著這些法則去做，四平八穩沒問題，但作品會很死板，你必須在變化中求統一，在對比中求調和，不能一開始就由調和始，調和終。

自序

2008-02-25T23:55:00.003+08:00

世界美術史中的構成主義是美術史樹上，緊接樹幹的大樹枝，甚至可稱為當代繪畫的源頭。包浩斯學院的跨世紀美術教育的改革，對人類的福祉做了極大的貢獻，不只是美術、工藝、設計、建築、電影、雕塑 …… 等等皆受到直接的啟迪，對人類思想、藝術、生活也產生了相當緊密的影響：康丁斯基、克利的繪畫風格，深深印在世人的心腦中，這是我著迷於抽象創作的主因。

一九一 O 年，康丁斯基四十四歲，發表〈最初的抽象〉水彩畫，顯示了結構性與線條性。一九一三年發表〈空想的即興〉油畫，已是相當成熟的抽象構成作品。一九二 O 年代歐洲前衛藝術家對長久以來的保守畫風作了反擊，抽象構成的理念應運而生，走在時代的尖端。一九二 O 年底，克利加入包浩斯，接著康丁斯基、那基也加入，擔任繪畫課程，主要教授點、線、面、造型、空間、色彩等繪畫基本元素，以抽象理念、藝術精神性替代實物的摹寫，以思想的訓練取代傳統的靜物素描；這一套繪畫理念課程被世界上先進國家的設計學院引為範本，反而被台灣美術系學生忽略或排斥，實為他們自己的損失。

包浩斯叢書於一九二五年陸續出版，克利著〈圖畫思想〉、康丁斯基著〈點線面一一繪畫元素分析論〉、〈色彩論〉 …… 。我於一九六三年在國立藝專美術工藝科（現為國立台灣藝術大學工藝學系）創辦主編〈設計人〉雜誌，就對造型基礎元素情有獨鍾；那年劉其偉前輩送我他的著作〈現代繪童基本理論〉，即在探究點線面等基礎繪畫元素，所以對我影響頗深。

早期我接受學院派教育，畢業後也寫書法、創作水墨，以線條作畫，後來我畫油畫，自然有了色、面。一九九三年我在華視藝廊舉辦水墨個展，一九九五年舉辦「孕育系列」雕塑造型個展，都重視線條結構性。在這以前我多次參加韓國、日本國際展的評審，也必須有作品展出，皆是以線條構成畫面，鮮少色彩。一九九七年起我才有油畫個展，陸蓉之教授帶實踐應美系學生參觀時就說有康丁斯墓的味道：蘇新田老兄對我某些畫讚嘆有加，直呼若我早出道五年，台灣畫壇將獨領風騷。當然亦有畫友及學術界同儕欣賞我的創作，我只提他們兩位，因為他倆是我欣賞的藝評人。

我的抽象畫源於野獸派、未來派、立體派、構成主義、抽象主義、表現主義、歐普、視覺主義，以點、線、面、肌理、色彩、造形、空間構成，大膽營建抽象所交織的美感。

中國傳統水墨畫重視線條，所謂書畫同源，我自幼薰陶：康丁斯基、克利的線、面表現，我也喜歡；五 O 年代美國的抽象主義也深得我心：歐普的視覺感受也教我著迷。在國立台灣藝術學院十餘年教學中，我以「繪畫元素解析」「形的探究」為講義。這些都是我愛不釋手的理念：我的畫就是我熟悉事物的自然表現，我順勢而為，輕鬆愉快、自得其樂。

繪畫應是以感情為出發，思想體系為背景的創作，每人有個別的繪畫風格。欣賞我的抽象畫或具象畫，請加入理智的分析。我不贊成隨機抽象，也不推薦技巧派、印象派，我希望以理論架構畫面，重視形的創造、空間的營建、色彩的對比調和、肌理的豐富交錯、色階的多重浸透、變化中的統一，以上就是我創作的泉源，也是我的作畫風格特色。

花的題材我畫得比較多，因為我注重線條，呈現音樂的旋律感，這是這幾年我的主要創作方向。靜物、人體、風景，形狀較為明顯，處理線條不方便，而花朵動感十定，艷麗多姿，符合我表現理念的條件，而且花人人喜愛，裝飾性強，接受力高，大家看得懂，推展我的繪畫理論較為容易。

我的創作部份分為十個單元：水墨創作、造型雕塑、花之饗宴、蘭花畫集、創作個展、混合抽象、抽象構成、達摩禪畫、九份風情、粉彩畫集等，以上合計百餘幅作品。畫作我很少先簽字，在個展時也是一樣，因為我是實驗者、創造者，總覺得可以再修整、精益求精，依環境、心情、氣氛及年齡之不同，對畫作有不同的詮釋，到最後不得不簽字時才會具名。我也常向收藏者表明，希望以後我要小修改時，能再讓我補畫。

1999年，我安排了12次檔期，打破全國記錄，也可能是金氏記錄。政府單位都是邀請展，我盡量以新作發表，其他展出是接近民眾家庭，以被收藏為主。2000年台灣省立美術館的個展，預計有9公尺、20公尺等等之大章，展期也不少，並且多次有幻燈秀及演講，這些活動及展出，期盼對台灣本土文化、藝術貢獻一點，心意，以備歷史明鑑。

畫家簡介

2008-02-25T23:51:00.002+08:00

張文宗自認為屬於創作型的畫家，畫風多變，不停的摸索、實驗。成為專業畫家　已十多年中，個展約三十次，走遍全省各地，一方面接受台灣本土人文之洗滌，　一方面印證自然與美學原理，漸漸地也畫寫實的風景及靜物。

從抽象畫到具象畫，張文宗的風景、花卉油畫具有濃厚的構成主義風味，甚至是　抽象與具象的混合表現，充滿著分割與韻律的動感。換言之，由於長年在大學教　授繪畫元素之關係，畫面結構順理成章追求完整及元素性。

他的創作以油畫為主，另外亦有速寫、粉彩、水墨、雕塑等作品，包括範圍較廣，以適應社教的功能。

張文宗曾擔任國立台灣美術館諮詢委員及展品審查委員、全國美展及全省美展評審委員、韓國及日本國際美展　評審，目前在永和社區大學及國立台灣藝術大學擔任講師。

拜師學藝

2008-02-25T19:59:00.002+08:00

你想接觸繪畫嗎？拜師學藝嗎？有何不可，有想法、有時間、經濟上許可，多了一項技能，豐富人生體驗，當然很好；學書法、學跳舞、學工藝、學插花、唱大戲、拉胡琴、打毛線，統統都可以。

上了年紀的人，我建議學藝術、學繪畫，因為「繪畫是哲學」，年紀大了，人生經驗已很豐富，靜下來思考、整理體驗，都可透過「畫」來表達，畫是無言的作為，沈默的表達自己內心的呼喚，把孤獨化為力量，昇華孤獨、結晶為作品。

人老了，有一項毛病，喜歡講話，喜歡別人聽你教訓，說你年輕時多風光、可愛，「您」不用說呀！用寫的出書呀！不行，寫不來，你用講的別人替您代筆，也不行，內容貧乏，即使出書也沒有人買，你負不起虧累，畫是最好的啦！不用多大本錢，畫一張算一張，不用連成系列，想到那裡就畫到那裡，也無時間限制，把豐沛的精力表達在畫布上，把您的偉大思想（卑微的想法也可以）統統付之於畫作表達上。您可與畫作對話，時間就會過得很快，不用去找人聊天，不用覺得時間太多。

拜師學藝，要用心找一位有思想、有理論的畫家，個別指引的指導者，不要去補習班統一教學，那是升學用的，按步就班從基礎學習，您已不是年青，不適合這種模式。

如果您要拜師學武功，到少林寺找方丈親自教您最好，不要去找鄉下「拳腳師」，少林寺師父會教您心法、口訣，拳腳師只教您技法，三年後學到的武功當然差之毫釐，矢之千里。

美國著名素人畫家「摩西婆婆」，無師自通，八十歲開始作畫，一百歲辭世，二十年間作畫無數，成名世界，您還沒八十歲吧！您也不想花錢吧！現在自己就動筆還不遲。

繪畫是哲學

2008-02-25T19:44:00.001+08:00

所有的專業都有技術，但是否成就寓於思想，思想是潛在的，必須予啟迪，人類經過數萬代DNA的試練，已進化為具有靈性的動物，人腦有無限的可能，思想有無限的空間。

人類的文明，即建立在歷代極少數偉人創作的結果，創作是思想的實物，實物又可觸發另次的思想；我常說「繪畫是哲學」，哲學是轉折的思想體系，經過正反合的辨證，可將遇到的思維胡同，柳暗花明，也由於思想使畫作具有內涵蓄積能量。

思想是可以訓練的，印度的曼陀羅教派以畫圓為起始，將夢境或腦中的漂浮印象畫於圓中，達到寧靜之效，佛教以禪修靜化思維，思想可擺脫現有框架，自我解放。哦！我講的思想，不是走入牛角尖的固執，而是正反合的哲思，碰到阻擋就轉折思考的模式。

一幅畫是否為佳作，「畫得很像」是最低的層次；畫得不像，但有自己強烈的表達方式，是有較高的意涵在內。如果人類的繪畫史，停留在「畫得很像」的時代，就永遠在十八世紀，永遠沒有進步，十八世紀的馬車已變為汽車了，汽車變為飛機、火箭了；十八世紀宮庭的華麗衣服也改了流行，你希望繪畫永遠在繪得很像的十八世紀嗎？

畫家的榮譽是留名美術史，而不是追求被你喜歡，趕快來買畫，這種商家行為並非畫家的本意，如果畫家有這種思維，就不是藝術家的行徑，在美術史中是被剔除的。

思想是可貴的，所有的教主都沒有師父，畫家的創作也是這樣是獨創的，別人的理論、別人的思想要轉換為自己靈感的來源，而不是反芻；記住，人的腦有無限的想像空間，值得人類永無止境的發現。

張文宗的繪畫觀

2008-02-25T19:31:00.003+08:00

繪畫不光是技巧的深研，繪畫應是心智活動的層次，也是一連串的自我充實；技巧是初學的過程，不是目的，技巧的極致是畫匠，技巧好值得稱讚，可獲得掌聲與青睞，甚至可以獲得被收藏的利益，但畢竟與藝術有一段距離。

以陶瓷之釉藥來說，處處可買到配好的釉藥，輕而易舉地可燒製各種色彩的陶瓷藝品。以油畫來說，有各廠牌的油畫顏料，可以盡情的揮灑，加上科技之進步，作者可容易地達到技術層面，是以俗氣與高尚之間取決於藝術味，藝術性涵蓋個人風格，超脫的佈局，不俗的色彩配置，流暢的旋律，神來的筆觸或搭配，高雅的整體色調，超越世俗的美感。當然在藝術性中純熟的技巧、技術，純熟的素描能力可以被應用，如女人化粧，可薄施不可厚塗，有重點不可全般造就，其理甚明。

我畢生在藝文界打滾，沾染藝術家個性，不合群，不世故；除了執意於藝術的創造工作外，還要打擊學霸，揭發偽大師，所以別人給我的評價為兩極，毀譽參半。但不可否認的，我認真、熱心，追求真、善、美，寫詩、水墨、造型、雕塑、藝評、出版書籍、雜誌、設計，什麼藝文界的事都做；但是不會做生意，對金錢無概念，以致至今還在「奮鬥」中，我也甘之如飴。

我出身於藝專，有學院的紮實寫實訓練，並在日本伊東設計研究所，研習伊東壽太郎教授最新壓克力插畫技巧，但我只保留其快速流動、豐富筆觸及重視肌理的伊東插晝精神，而放棄插畫的高超技巧性。由於長年在大學教授繪畫元素的關係，順理成章以元素做晝。

何謂元素做畫？就是憑著想像，純粹以點描、線條、色面、筆觸、架構空間，其結果顯現寫實的畫面。例如以線條結構成樹林、花葉，以面、點結構成花朵、樹叢，必要時才去觀察各種花型及花色的特色，以補造型的不足及自然律；如畫台灣野薑花，則以白點、長葉架構了畫面，再以雜花、亂草的點、線佈置其間，使畫面有了生動、色感及生命力。過幾天再買幾枝真花觀察其葉形、花型的結構，以符合自然生長的定律，使現實及理想，實務與理論兼具。

在台灣畫界中，我的畫法是獨特的、創新的、世界唯一的。再舉樹林為例：我以線條的大小、明暗、粗細、抑揚頓挫、間隔、交叉、佈局、組織成畫面，儼然已成樹林，再加橘紅的點、淺綠的點，「秋景圖」於焉產生；在構成上無新意時，我會認真的去觀察自然界中樹林成長的現象以獵取靈感。如樹枝是向光及水傾斜；密集的樹林，樹幹是往上挺直生長；小樹則枝椏多，樹葉的色澤依其生成順序、受光面，深淺各有不同。而畫面的樹枝結構，必須依作者對美學的認識去組成，絕不能保守的照抄，自然界的景物，是非常好的媒材，畫家取其所需，捨其不完美之處，這是我所領悟的畫法。而我習慣於這種獨特畫法，也是我熟悉的元素理論；形體上我以抽象理念為出發，不以臨摹技巧炫耀：表現上我以學術做背景，不以明暗為滿足；特色上我以旋律、動感來處理畫面，不以立體、透視為依歸。

再者，我不和台灣前輩畫家一樣追求印象派，只求光的細膩、變化，不細究形的魅力；更不像同輩的台灣知名畫家一樣，只在二度平面中達成三度元的立體效果而自喜，我揭櫫在二度中達成四度、五度的空間構成。

我具叛逆性格，是實驗型、創作型的畫家；我不只期許自己是一個畫家，更希望自己是一位充滿藝術細胞的藝術家，全身散發藝術家的氣質，而非只在油畫的畫布上；待我的油畫志趣完成到較成熟的階段，我會用我的繪畫觀，玩玩其他類別的創作，而不管世俗對我是否是：專業油畫家的評價。

張文宗寫於 1999 年， 57 歲生日